ojo avizor

¿Para qué sirven los críticos?

2011-10-17T08:40:00.000-07:00

…..de cine

Ayer cuatro periodistas de espectáculos debatieron con Luis Majul sobre el valor de la crítica de programas de tv. Ya que estamos desempolvando viejos textos, es oportuno recordar uno que escribí para el Boletín de Periodismo.com Nº 13, de marzo de 1999.

0) La crítica cinematográfica está en el centro por varios motivos: la muerte de Gene Siskel, uno de los críticos norteamericanos mas conocidos; una nueva entrega de los Oscar, esta vez con un candidato por Argentina, y las múltiples polemicas alrededor de “La vida es bella”, de Begnini son una buena excusa para hablar de un género que está demandando revisiones.

1) Jay Sherman era un crítico de cine. Tenía un programa que siempre estaba a punto de ser levantado, donde demostraba invariablemente su amor por el cine “con pretensiones” y su odio hacia todo lo que oliera a mainstream. La serie de dibujos animados “The Critic”, realizada por Gracie Films, tuvo que ser levantada: para el público tenía demasiadas pretensiones y siempre prefirió al otro producto de los mismos realizadores “Los Simpsons” que, sin llegar a ser industrial, era más digerible para los telespectadores de todas las edades.

2) En los manuales clásicos de periodismo se explica la importancia de distinguir entre información y opinión. ¿Qué es una crítica de cine? No es información: hay juicios de valor y calificaciones y descalificaciones de quien firma. Pero tampoco es opinión: los diarios se cuidan bien de marcar los artículos de opinión con el rótulo “opinión”. En los artículos de opinión, el diario no necesariamente tiene que coincidir con el autor. En las críticas de cine el diario parece apoyar el veredicto del crítico.

3) Se supone que un crítico nos dice si vale la pena ver una película y por qué. Pero, como con el programa de Jay Sherman, el público parece guiarse más por su instinto que por los dictados de tal o cual crítico: es claro que casi nunca existe una relación directa entre críticas y taquilla.

4) ¿Quién y por qué es crítico de cine? ¿Es crítico el que vio mucho cine? ¿El que filmó mucho cine? ¿El que sabe ver “más allá” de las películas? ¿El que entiende mejor las expectativas del lector del medio en el que escribe?

5) Si la crítica de cine es “prevención” (nos anticipa una película), ¿debemos seguir al crítico Sergio Wolf, que dijo que Titanic es “un clásico del futuro” o al crítico Quintín para quien Titanic es “correcta, entretenida y profundamente vacía”?

6) ¿A quién escuchar antes de ver una pelicula? ¿A aquel con cuyas criticas coincidí más veces después de salir del cine? ¿Al más persuasivo? ¿Al que analiza cada rubro técnico en detalle? ¿Al que evalúa la obra como un todo? ¿Al que busca valores más allá de la película? ¿Al que se centra sólo en el argumento?

7) ¿En que se diferencia un crítico de un amigo nuestro que vio la película? Es cierto que nuestro amigo no leyó el press-book, pero el crítico no nos conoce y nuestro amigo sí. Posiblemente un crítico esté harto de ver películas en las que el policia negro conoce al policia blanco y luego de odiarse durante la mitad de la película, se vuelven compinches inseparables en la otra mitad. Pero a lo mejor nuestro amigo y nosotros no vimos tantas películas de ese tipo. O a lo mejor vimos un millón y queremos ver otro millón más. El crítico le puso un 3 (dijo que era “previsible”) y nuestro amigo un 9.

8) El modelo de crítica previsora que aparece en los diarios el dia del estreno de un film está quedando obsoleto. Distinto es el caso de las revistas de cine, donde las películas se analizan desde otra perspectiva y sirven más como punto de partida para un debate de ideas para después de la proyección, que como consejo prescriptivo para el espectador medio.

9) ¿Cuáles son las alternativas? Para el espectador, sugiero el modelo de Movie Critic (N. de la R.: Movie Critic no existe más, aunque hay varios sitios similares). Se trata de un sitio gratuito en el que el usuario va calificando una serie de películas. Una vez que se calificó una buena cantidad, basándose en esas elecciones (como nuestro amigo) emite recomendaciones probables para cine y video. Ofrece además la opción de “recomendaciones para dos” (combina las preferencias cinematográficas de, por ejemplo, un matrimonio). Hay que destacar que cuantas más películas se califiquen, más aproximadas serán las recomendaciones.

Para los diarios, copiar el modelo del excelente sitio de venta de videos Reel. La “crítica” se basa en tres elementos: una breve sinopsis argumental de no más de 20 palabras, una comparación con otras películas similares (“si le gustó ‘La Historia Oficial’, seguramente le interesará ‘Missing’”) y la “anatomía” de la película, compuesta de puntajes en catorce variables fijas, entre las que se encuentran “humor”, “hollywood style”, “sexo” o “profundidad dramática” (ver anatomía de “La Historia Oficial” aquí).

10) Espero ansioso el abucheo o la consagración de los críticos a estas propuestas.

tomado de

http://www.malaspalabras.com/%C2%BFpara-que-sirven-los-criticos/

Acto único y malo.

2011-07-03T08:41:00.000-07:00

-¡Pero si no lleva nada! -gritó, al fin, el pueblo entero.

Aquello inquietó al Emperador, pues barruntaba que el pueblo tenía razón; mas pensó: «Hay que aguantar hasta el fin». Y siguió más altivo que antes; y los ayudas de cámara continuaron sosteniendo la inexistente cola.

Final del cuento El traje nuevo del emperador de Hans Christian Andersen.

Termina el único acto de una obra de teatro presentada en el Centro Cultural Olimpo. Mi compañero y yo hemos coincidido: lo que vemos carece de lo que llamamos arte. Durante la función vemos como ha fallado el director en su abordaje al texto; actores con una pésima presencia escénica o falta de ella; voces fallidas y por las cuales no entendemos el texto y poca preocupación por las acciones de los personajes; la mala escenografía no nos pone en contexto (se nota el afán de economizar). De nuevo somos testigos de una falta de preocupación del grupo de teatro responsable de la producción por presentarnos un trabajo en el que la calidad haya sido la prioridad. Somos muy severos en el análisis. No damos tregua. No perdonamos a la actriz que habla con la lengua arrastrada. Nos reímos del actor que por más que trata de ocultar su homosexualidad simplemente no es posible. La estridencia no nos permite identificar el momento climático de otros. Termina la obra y para nosotros es un momento más de asombro. El público se levanta y ovaciona. Solo pueden ser dos cosas: Mi amigo y yo no sabemos de teatro, y la gente tiene razón, pues somos dos de 100. O la otra el público se conforma con muy poco y es obligadamente amable. Desde luego criticamos al público por su ovación. El grupo de teatro no se merece la ovación.

Acostumbrado a este tipo de presentaciones en todas las manifestaciones del arte, rápidamente olvidaremos la función y sólo lo recordaremos cuando acudamos a otras funciones en las que nuestra expectativa sea la misma: Ver una puesta bien realizada. Sí, es increíble. Cuando esperamos una mejor propuesta, nos aparece una peor.

En las funciones de estreno como la que describo es muy común que después de la función y la euforia inexplicable público-grupo teatral se arma una especie de convivio social y a ella asiste la comunidad teatral, y es muy común encontrarse con las vacas sagradas del teatro, y en esta ocasión fuimos testigos de cómo una vaca sagrada que vio la función felicitó por su magnífica puesta a la otra vaca sagrada que dirigió la obra. En ése momento nace en mí imaginación una escena generada por un deseo tremendo de ir y preguntar a la vaca sagrada: ¿Qué obra de teatro viste? Tú. Que te dices director; ah, y de puestas míticas ¿Por qué no le dices la verdad? Que ésa obra es un mal intento (fin de la escena en mi imaginación). Hace un mes la vaca sagrada que dirigió la obra de hoy felicitó a la otra vaca sagrada por una puesta en escena demasiada pretenciosa, y por primera vez el ambiente teatral coincidía: el director no había hecho su trabajo o si, pero mal. Te aconsejaban que sí padecías insomnio fueras a ver dicha obra, pues de seguro conciliabas el sueño.

Siguiendo con la crónica del estreno: Después de la reverencia de la vaca sagrada, prosigue la reverencia de alumnos, maestros, funcionarios público, y todos coinciden: Felicidades vaca sagrada. Eres lo mejor que le pudo pasar a Yucatán. Nos has revelado el buen arte damos gracias a dios por enviarte para sacar a estos provincianos de su ignorancia.

Hemos entrado a una etapa de cinismo tal. Artistas de todos niveles reciben apoyos económicos para generar y promover el arte, y sabemos que no es obligación que el trabajo resultado de ése apoyo sea revelador. Lo verdaderamente lamentable es que presenten sus obras sin el mínimo de profesionalismo y como mero trámite burocrático para beneficiarse del apoyo. Como resultado hay una mediocridad en todas las artes, Obras mal puestas, galerías con obras que escudándose en corrientes alternativas no son más que lienzo desaprovechado. Funciones de ballet y danza de todo tipo desangeladas donde nada importa. Es usual ver la cara de una bailarina pidiendo a dios que se termine la función. Pésimas iluminaciones. Productos mediocres de artistas que las autoridades culturales nos lo han puesto para guiarnos en el camino de las artes. Eso sí, se regodean en el amor al arte, y no hay duda, pues del lugar del que proceden han dejado pruebas de su inmenso talento, pero parece que al pisar Yucatán el gusto y su visión de la calidad fuera otra, la de la calidad que poseen sus trabajos.

La falta de autocrítica y de críticos en todos los campos del arte que no se dejen avasallar ha hecho mucho daño a la cultura en Yucatán. La crítica en muchos lugares del mundo con mucho movimiento cultural, genera presión, exige calidad, desenmascara rápidamente al impostor, no hay lugar para la mediocridad, todos exigen lo mejor de sí, pues hay alguien que intenta ser mejor que el mejor. En nuestro medio parece haber una indiferencia de parte de los artistas por ser mejor. No hay quien los enfrente entre ellos, con ellos mismos, con el público.

Pretextos tienen muchos para quedar en la mediocridad: La libre forma de hacer las cosas en la modernidad, falta de dinero, falta de espacios. Bajo estos principios el arte en nuestro medio no tiene futuro.

JOSE ERNESTO JIMENEZ

TRABAJO FINAL PARA LA MATERIA

DE ENSAYO IMPARTIDA POR LA

LIC. LETICIA FERNANDEZ.

JUNIO 25 DE 2011.

Andrei Tarkovsky y sus estudios en Polaroid

2011-05-29T16:59:00.000-07:00

Desconozco el motivo de la toma de fotos con polaroid por parte del gran cineasta ruso Andrei Tarkovsky. Quizá al verlas podamos entender la fascinación de sus filmes y la sorprendente monumentalidad a lo aparentemente estático y místico.

He aquí el texto que otro cineasta italiano escribió al respecto.

«En 1977, durante la ceremonia de mi boda en Moscú apareció Tarkovsky con una cámara Polaroid. Había descubierto recientemente este aparato y estuvo usándolo con regocijo entre nosotros.

Él y Antonioni fueron mis testigos de boda. Según la costumbre de aquella época eran ellos quienes tenían que elegir la música que sonaría en el momento de firmar los documentos de matrimonio. Escogieron el Danubio azul.

Por entonces Antonioni también solía usar una Polaroid. Recuerdo que en el curso de una localización de exteriores en Uzbekistán donde queríamos rodar un film —que finalmente no hicimos— regaló a tres ancianos musulmanes las fotos que les había tomado.

El más viejo, nada más verlas se las devolvió con estas palabras: "¿Qué hay de bueno en parar el tiempo?". Este rechazo desacostumbrado nos sorprendió tanto que no supimos contestar.

Tarkovsky pensó mucho sobre el "vuelo" del tiempo, y quería conseguir una sola cosa: pararlo —aunque solo fuera por un instante, en las imágenes de la Polaroid».

Tonino Guerra.

Rosa Blanca, encadenada y encerrada.

2011-03-26T10:47:00.000-07:00

Cuando el arte se convierte en un instrumento transgresor, educativo, señalador, edificante, sea cual fuere el representante político de turno administrando nuestros bienes, terminará cercenándolo, acorralándolo, censurándolo y echándolo al olvido.

Esto sucedió en el estricto orden de las palabras con el film mexicano “Rosa Blanca”, que no debe confundirse con el encargo que el gobierno cubano hizo al Indio Fernández en 1954 y que, tratando de armar la vida de José Martí, resultó un fiasco de guión, de film y se tiró también al olvido.

Rosa Blanca, sin el artículo “la”, es una historia de aventura y denuncia y parece que por las transgresiones semánticas y de acciones la copia original del filme vivió la misma dicha, convirtiéndose la vida del mismo documento cinematográfico en una odisea de encierros y censuras.

Para 1961, el director Roberto Gavaldón, junto con Emilio Carballido, decidieron leer en voz alta y a dos términos el fabuloso cuento “Rosa Blanca” del escritor norteamericano B. Traven. Se dieron cuenta que el papel protagónico del hecho literario quedaba enfrascado en la denuncia, más que un cuento era una crónica, más que un reportaje era una denuncia. Ambos festejaron, con planes, hacerlo, llevarlo, recrearlo en un filme que dividiría la nación y el entorno de la misma y lo logró a ser finalizada, pero la cinta se volvió ciega ya que nunca fue exhibida. Cometía su perjuro y su destino proferido desde antes por sus creadores.

Se enlató, se enterró y se convirtió en leyenda. En algún momento un crítico de arte, dicen los actuales cronistas sin saber el nombre del aventurado, denominó esta cinta, junto con “La sombra del caudillo”, como los 2 pilares del cine maldito mexicano, pues caían en la desgracia de querer decir la verdad que muestra las heridas de una nación nunca curada.

Rosa blanca es un ficticio poblado ubicado en Veracruz, cerca de la costa, entre las montañas, algo así como Poza Rica. Un día alguien vio betún, un día alguien dio el aviso, un día vinieron las aves rapaces y saquearon todo, se comieron todo, mataron todo. De hecho las rapiñas vienen de una empresa petrolera llamada “Condor Oil Company”. Los personajes se mueven en el miedo de aquel fango viscoso y cuando despiertan ya todo es pesadilla. La negativa de la venta de tierras ya estériles trae el asesinato, los asesinatos. La sangre baña al petróleo o al revés…

Don Jacinto el personaje principal trata por todos los medios y con todas sus fuerzas de establecer la justicia como único medio para lograr un punto de equilibrio entre la vorágine desatada y también es engullido por las manos traidoras y sicarias. Un festín de sangre que ni los dramas griegos hubiesen tenido.

La película producida en 1961, durante el mandato de López Mateos, se consideró lesiva para los intereses norteamericanos en la región, no para los de México sino para los de la gente de arriba cuya cara y postura quedaba martillada con las más terribles imágenes de la violencia y la traición. Tal vez un retrato premonitorio de lo que harían luego en varios continentes y en el nuestro con sus portentosos planes cóndor.

Rosa Blanca, tiene visos de documento y relata el poder, incluso pone en evidencia la verdadera historia que le ha tocado vivir a México. Se dice que el film estuvo 12 años escondido, otros alegan que fueron 11 años de censura. A ciencia cierta no se manejan los datos. En lunes 14 de abril del año 2008 fue presentada de nuevo y en pantalla grande a las diputadas y diputados, senadoras y senadores con motivo de discutir la ley orgánica de Reforma Energética. Los ojos asombrados de los políticos recorrieron juntos la cinta “extraviada”. Víctor Ugalde, escritor e investigador cinematográfico perfiló ante el público la historia de que por allá por los años 70 fue liberada y se exhibió con miedo y escenas cortadas, trozada para que se viera como un cuento rústico y folclórico sobre la industria petrolera y su historia de sangre.

Ahora la podemos ver, conseguir y bajar completa. Debe verse.

Otras películas señaladas del cine mexicano son:

“Pecado y moral”, película realizada por Adolfo Best Maugard. 1944

“La mancha de sangre” de Adolfo Best Maugard, 1938

“El brazo fuerte” (1958) de Giovanni Korporaal

Gerardo Martínez

rosa blanca (ficha técnica)

Director: Roberto Gavaldón

Intérpretes: Begoña Palacios, Carlos Fernández, Christiane Martel,Ignacio López Tarso, Reinhold Olszewski, Rita Macedo

Año: 1961.Duración: 98 min.

rGénero: Melodrama

Color o en B/N: Blanco y Negro

Guión: Emilio Carballido, Roberto Gavaldón, Phil Stevenson

Fotografía: Gabriel Figueroa
Música: Raúl Lavista

El amor y su más loca esencia.

2011-03-24T12:09:00.000-07:00

Nota preliminar: el tiempo, ese que exacerba nuestra existencia me ha quitado el “tiempo” de publicar esta reseña debida, de una obra que debe verse. Teatro en sensación, ligero con una profundidad abismal…

Hablar del amor es abordar una dimensión gigantesca, extraña. Abre dimensiones y portales para grandes disertaciones filosóficas. Colocarlo en escena, a manera de ensayo, no es fácil ni mucho menos factible. Francisco “Pancho” Solís se atreve y convoca a la asistencia de una dinámica teatral sana y profunda en la cartelera de Teatro hecho en Yucatán.

“Ojalá y el amor bastara” de la dramaturga Marisa Gómez se inicia en un viaje de una pareja por una carretera idílica, por un sueño apacible, hasta que en un choque con la realidad se transforma la vida y salen los años, los hechos, las vivencias, las otras cosas y lo negado. El vidrio donde se ha ensayado la pasión se resquebraja y Pancho Solís lo ha presentado como un buen ensayo que por lo visto irán puliendo a medida que la obra se vaya presentando.

Gabriel Orozco, en el personaje de “El”, Desiré Solís, en el personaje de “Ella”. Ambos ajustados a los requerimientos de la obra; con matices muy bellos cuando son los enfrentamientos y a veces seductores y con miedo cuando se trata del uso del cariño. Desiré demuestra buen camino, aunque a veces desubica la esencia de una mujer que ha llevado vida y caminos; ¿cuestión de edad?, ¿requerimientos del personaje y del director?..Debe quedar marcado en escena, aún así la obra es redondea porque nos enseña las aristas del amor y la posibilidad de reírnos del mismo. Una comedia con tintes hechos de ironía desgranada.

La obra es un mar batiente en un teatro a la usanza clásica de espectador-actor. La escenografía deslumbra, con un carro hecho para la obra, encajando como un juguete solo en aquel proscenio que nos va idealizando, perfectamente, un viaje por donde usted, mí querido espectador desee verlo. La luz idénticamente buena, con puestas de soles o noches frescas de carretera lejana y un instrumento, ya usado, que retoma Pancho Solís: el uso del vídeo para agregar contextos y un subtexto paralelo, dando una dimensión ideológica necesaria para entender la vida y el tránsito de los personajes.

Igual se debe acentuar que el vestuario en manos de Hortensia Sánchez es simplemente delicioso, un carnaval de creación y de posicionamiento de escasos recursos y de reciclaje. Deslumbra y nos transporta a una buena comedia con tintes de televisión setentera, con concursos y bailes, donde un solo bailarín y una sola bailarina nos hacen la recreación de un largo troupe de baile.

Francisco “Pancho” Solís y su grupo, nos ha obsequiado un camino. Una vez más el teatro y su acción en Yucatán cumple de una manera buena, del crecimiento necesario, descubriéndose como una de las artes solidas y factibles a desarrollar en este estado, creando no solo una cantera sino un producto exportable a otros estados de la unión como hacia afuera. Hagamos posible esto para que el teatro yucateco deje buen nombre.

Suerte y véanla.

Gerardo Martínez

A momentos, sólo un fantasma…

2011-02-03T18:25:00.000-08:00

“Hanjo, la mujer del abanico”, obra de la Compañía “Teatro de la Rendija” nos trae un sueño, un encuentro desafortunado entre aires de un desierto perfumado a almizcle y a coco. La neblina que cobija la escenografía de arena y paredes rasguñadas, va desdibujando a una mujer loca, herida en lo más profundo de ser por un recuerdo que se va asomando trágico, a voces que van y vienen y la sinfonía de este espectáculo se va acercando como en un lente zoom a todo el público que llena el teatro de manera y usanza al teatro isabelino de finales del siglo XVI.

Hanjo y su trágica nostalgia por un amor pasado es un viaje al interior de los recuerdos poblados de fantasmas poéticos que cargan el destino como un gigantesco fardo de dolor. La adaptación de varias ficciones y textos de los cuales está sembrado nos lleva en tan pequeña dimensión a viajar por un Asia misteriosa y tal vez negada.

El recinto diseñado por el creador y cineasta Oscar Urrutia, es un serrallo cerrado al vacio, solo se abre para dejar entrar sacerdotisas que vienen a herirnos con verdades. Andariega en la investigación y el conocimiento milenario Raquel Araujo, directora y actriz del evento, va recolectando información entre los cuentos contemporáneos y medievales del Japón y a pesar de que en el texto se habla de lamentos contemporáneos como el periódico y otros artilugios de nuestra época, la obra nos convoca a estar en un recinto derruido como el pensamiento de los personajes y nos traduce una puesta en escena de un oráculo casi silente, lleno de soliloquios y repeticiones. . Hanjo, escaza en recursos y sin embargo inmensa en proceso y estudio psicológico de la fragilidad humana, es una lluvia de sensaciones que Raquel Araujo, como directora pone ente nosotros en un acertado ejercicio, novedoso en acción y nuevo en idea.

Por su parte el soporte innegable de los actores son dagas de rompimiento en el teatro regional. Un antes y un después marca Eglé Mendiburu; quien aparece como un fantasma furioso, silente, macabro y lleno de heridas que viene a marcar la espiral de acciones dentro de la arena donde se desarrolla. Una actuación que demuestra, con poco texto, las infinitas facetas de una gran actriz regional. Roberto Franco, Hanjo joven, antes de ser abandonada, nos regala un episodio matizado con la poesía sublime del texto y de las acciones de su ya incipiente locura. Roberto demuestra la curtiembre de su dedicación a estudiar, desde hace tiempo como actor, de los simbólicos textos del oriente lejano. Amante como es de la cultura Hindú, Roberto tiñe de vestidos y desvestidos su ofrecimiento.

Es una obra dimensional, llena de tramas y subtramas psicológicas límpidas, de sonidos envolventes hechos con cuencos de cuarzo, de sensaciones y olores y con una voz, al fondo, potente y generosa que nos brinda Isaí García Seba que le pregunta a Hanjo por su vida, por su cuento, por su caminar desesperado.

Altamente recomendable.

Gerardo Martínez

Las mejores fotos del año

2010-12-14T18:26:00.000-08:00

Lo divino, lo mortal, lo sublime, lo sufrido, la alegría, la ironía, la felicidad, la desdicha, la comedia, la tragedia, la vida en un instante. Fotos de diversas fuentes periodísticas, de diversos autores, de diversas agencias. Fotos premiadas y aplaudidas por el público. Todo un año en un ojo.

Agotado por el material electoral, el burro cae al llegar a la aldea. No existen vehículos en la provincia de Panjshir, Afganistán

Niña afgana espera junto a su madre para recibir donaciones de alimentos en Kabul

El hombre celebra la victoria del equipo nacional fútbol de mujeres afganas, en juego amistoso contra el equipo femenino de la OTAN

Los niños afganos en campos de Kunjak, provincia de Helmand

Policías arrojan agua a los manifestantes que están en contra de la demolición de un parque que dará paso a la estación de metro de Stuttgart, Alemania

Los activistas anti-nucleares se acuestan en las vías del ferrocarril para impedir el paso del mismo, ya que transportaba residuos tóxicos en Harlingen, Alemania

Tendero muestra la fachada de su tienda de bicicletas, que comprende más de 120 piezas en la ciudad alemana de Altlandsberg

Peregrino musulmán reza en el monte Al-Noor, durante la peregrinación anual del Haj en La Meca, Arabia

Myanmar. líder de la oposición Aung San Suu Kyi, es recibida por sus partidarios, de dos días después de su liberación del arresto domiciliario

Los manifestantes atacan tren de a cargo de la ruta de Sirajganj, Bangladesh

Última minero rescatado. San José, en Copiapó, Chile, Luis Urzúa, celebra con el presidente Sebastián Piñera (I)

Los estudiantes chilenos son golpeados por chorros de agua, en señal de protesta contra los cambios en la educación pública en Valparaíso

El empleado trabaja en las minas en Nancheng metales en la provincia china de Jiangxi

Pequeños rumanos gitanos jugando con la bañera en el barrio de El Gallinero en las afueras de Madrid, España

Niño ayuda a cargar las pertenencias de la familia desplazadas por las fuertes lluvias en San José, Costa Rica

Veterana del Ejército es detenida en protesta frente a la Casa Blanca. Washington, contra la ley que impide a los homosexuales servir en las Fuerzas Armadas

Cebo beduinos utilizados para cazar en el Sinaí, Egipto

El presidente ecuatoriano, Rafael Correa, es escoltado por la policía después del intento de golpe

El pastor Terry Jones dice que quiere grabar copias del Corán en el aniversario del 11 de septiembre, se retiró después de la presión del gobierno de EE.UU.

Paso de tifón Megi en la provincia filipina de Isabela

La cima del Monte Fuji, la montaña más alta de Japón, 3.776 m, es fotografiado desde el interior de un avión

Familia llora la muerte de los pescadores palestinos atacados por la armada israelí. Gaza

Niño recibe asistencia médica después del terremoto de magnitud 7.0 que azotó a Haití en enero

Los saqueadores luchan por los productos, en el caos causado por el terremoto, Puerto Príncipe, Haití

La secretaria de Estado Hillary Clinton a punto de perder su zapato a su llegada a una reunión con el presidente Nicolas Sarkozy en París

Hija de inmigrantes hondureños asesinados por los cárteles en México, se desploma durante el funeral de su padre en El Guanta

Colisión entre dos trenes. 60 personas muertas. Sainthia, India

fuertes lluvias en Punchkula, la India

Los niños juegan en las tuberías de agua en una obra en construcción cerca del río Yamuna, ciudad india de Allahabad

Los iraquíes lloran frente a la morgue de Bagdad por la muerte de familiares en otro atentado con bomba

La mujer es castigada con latigazos en la espalda. Su pecado: la ruptura del ayuno del Ramadán en la provincia indonesia de Aceh

hombre detenido por la policía israelí en una manifestación de árabes contra judíos ultranacionalistas en Umm el-Fahm, Israel

policía israelí armados con gases lacrimógenos en manifestación de monitores de palestinos cerca de Ramallah en Cisjordania

La presidenta argentina Cristina Kirchner, recibe el cariño de la gente a la salida del funeral de su marido, Néstor Kirchner. Buenos Aires

Blindados de Corea del Sur escapan al atentado llevado a cabo por Corea del Norte en la isla de Yeonpyeong, Corea del Sur

Anciano de Corea del Norte se emociona al decir adiós a los familiares de Corea del Sur, después de las visitas temporales en el Monte Kumgang

Corea del Norte. Desfile militar en honor de los 65 años del Partido del Trabajo

Armada de Corea del Sur mantiene los ejercicios militares en el mar de Incheon

Familia asiste al funeral en memoria de los albaneses que desaparecieron durante la guerra de Kosovo (1998-1999), Pristina

rayo es fotografiado en los casinos de Las Vegas, EE.UU

Los manifestantes rompen ventanas de la sede del Partido Conservador en Londres contra el aumento de matrículas y los recortes presupuestarios en la educación

Lugar donde los cuerpos fueron encontrados muertos durante el motín del festival de música Love Parade que se celebra anualmente en Duisburg, Alemania

Volcán Merapi. Yogyakarta, Indonesia

Mineros sonríen durante el trabajo pesado en la mina de Manica, Mozambique

Un grupo de refugiados de Myanmar en la frontera con Tailandia

El presidente de EE.UU., Barack Obama, hace muecas al ser sorprendido por los reporteros antes de la ceremonia en Mumbai, India

Barack Obama habla en el evento mundial organizado por el ex presidente de EE.UU. Bill Clinton (izquierda) en Nueva York

Obama en la reunión en Washington por la paz en Oriente con el primer ministro israelí Benjamin Netanyahu (izquierda) y el líder palestino Mahmoud Abbas

Paquistaníes pasan por camiones cisterna incendiados en Khyber, los vehículos llevan suministros a las tropas de la OTAN en Afganistán

Palestina: intenta escapar de la granada de gas lacrimógeno lanzado por soldados israelíes en enfrentamientos con colonos judíos en Cisjordania

policía israelí en medio de los conflictos en la Ribera Occidental

El Papa Benedicto XVI llega para visitar Inglaterra y Escocia

La actriz Angelina Jolie llega al campamento de refugiados de Jalozai, que albergaba a las víctimas de las peores inundaciones que ha sufrido Pakistán

Equipo de rescate trabajan entre los escombros después del accidente Airblue en Pakistán, en el accidente murieron los 152 personas

El hombre reza por el fin de las inundaciones que asolaron el territorio pakistaní, desplazando a 10 millones de personas

Los residentes Karamdad Qureshi, Pakistán, pidiendo donaciones durante las peores inundaciones del país ha sufrido

Inundaciones que afectan a los residentes de Muzaffargarh. las lluvias en Pakistán desaparecieron a unas 1600 personas

Personas sin hogar en Pakistán bloquean helicóptero militar para tratar de conseguir comida. Muzaffargarh

Personas sin hogar son rescatados de la zona de peligro de inundación en Nowshera, Pakistán

El príncipe Guillermo anuncia su compromiso con Kate Middleton, en el Palacio de St. James, Londres

En un momento de afecto, el primer ministro ruso, Vladimir Putin abraza a su cachorro Pastor regalado por el Primer Ministro de Bulgaria, Boiko Borisov

Restos de víctimas del genocidio en Ruanda; 5000 fueron masacrados por extremistas hutus en 1994

Un helicóptero transporta agua para tratar de aclarar los incendios forestales en Kustarevka; Rusia

El presidente francés, Nicolas Sarkozy rinde homenaje a las víctimas de la Primera Guerra Mundial, el cementerio de Notre-Dame de Saint-Nazaire Ablain

Las luces del Empire State Building se ilumina en honor a los nueve años de los atentados del 11 de septiembre en Nueva York

Trabajadores reparan el taladro gigante que está perforando el túnel más largo del mundo. Alpes suizos

Dibujos de niños talibanes son hechos en las paredes del centro tomada de tropas de EE.UU. Musa Qala, Afganistán

Insurgentes talibanes detenidos por las tropas de EE.UU. durante los combates en Musa Qala, Afganistán

Torero español Pedro Muriel es corneado durante la corrida de toros en Málaga

El fundador del polémico sitio Wikileaks, Julián Assange, da una entrevista sobre la filtración de datos secretos estadounidenses. Londres

Días con Julián.

2010-11-30T13:03:00.000-08:00

Llegó, simple, en el íntimo sentido de la palabra, bajo perfil a pesar de dejar a México muy en alto. Caminó las calles de Mérida, se sentó a ver la quietud de Uxmal, a pesar de los turistas toma fotos. Se quedó, y nos lo comentó a manera de ensueño, cavilando las construcciones Mayas y sintiendo mil preguntas en su cabeza y su entorno.

Julián Hernández es quizá uno de los nuevos cineastas mexicanos más prometedores y reveladores de este nuevo siglo. Comprometido con una búsqueda de estética muy particular y que define su estilo, Julián se juega un todo por conseguir otro. Sus films, con claras influencias del cine soviético, mexicano de los 40s y de los ritmos de Pier Paolo Passolini, se nos comen los ojos y bajo un aturdimiento primario nos señala que la condición psicológica no es la primera lectura del sexo sino del “senso”, del sentir y de los entornos místicos que éste puede agregar a nuestras vidas.

Julian vino invitado al X FESTIVAL DE CORTOMETRAJE MEXICANO que se celebró en Mérida durante los días que fueron del 13 de Noviembre hasta el 21 de Noviembre cuando se entregaron los premios, de los cuales él fue uno de los jurados, del Séptimo Concurso de Cortometraje “Yucatán 2010”, de cuyo resultado hablaré en otro artículo.

A Julián le han encasillado en una palabra: “búsqueda”, ¿pero es cierto?: no lo parece. Su cine es pinceladas de lo oculto en el sexo y, en un toque muy de lo mexicano, la genética de la sexualidad que acompaña al hombre en nuestros días. Freud definió al hombre, en el sentido humanístico, como un corpus de emociones y de sensaciones que se entremezclaban para saciar un contexto que vamos elaborando a medida que vivimos. El cine que hace Julián así lo demuestra. El revela que su cine es como un hotel donde cada cuarto tiene una historia que puede durar horas o tal vez minutos y que sin embargo está lleno de opciones.

Decir que su cine es gay sería también un error. Catalogarlo por una temática sería empeorar la cosa. Julián debe buscarse entre los hombres o nombres que hacen un cine rompiente, de la mínima mirada al profundo éxtasis de un seño psicológico. He allí, a mi entender, su propuesta y su empresa como creador y artista.

Julián se atreve a proponer formas eróticas que rozan la sensibilidad de un espectador no acostumbrado a ver sus tabús y su naturalidad sexual explayada en la pantalla. Casi nos devuelve el olor perdido entre calles, tubos, construcciones o caminos de arenas entre desiertos y pirámides derruidas por los soles rabiosos que se asoman en el horizonte. El director no se anda con cortapisas y con un lenguaje de silencios adornados por quejidos, emisoras de radios que se desvanecen entre cláxones y algunas voces de callejuelas, Julián nos condena a hacernos una historia dentro de la suya. Nos regala la libertad ansiada y nos pide que transitemos por sus colores o estilos monocromáticos como unos exploradores de la urbe corporal que un hombre o una mujer esconden debajo de su piel.

MIL NUBES

DORMIRÉ CUANDO ESTE MUERTO

Rabioso SOL

Filmografía de Julián Hernández:

Julián Hernández nació en la Ciudad de México, en el Distrito Federal, lugar donde trabaja y vive. Es egresado del Centro Universitario de Estudios Cinematográficos (CUEC) de la Universidad Nacional Autónoma de México (1989-1994), sus inicios como director cinematográfico fueron con la realización de diversos cortometrajes de ficción, entre ellos: "Por Encima del Abismo de la Desesperación", que ganó el Gran Premio de la Segunda Jornada de Cortometraje Mexicano en 1996 y "Hubo un Tiempo en que los Sueños Dieron Paso a Largas Noches de Insomnio".

el primer largometraje de Hernández se tituló: “Mil Nubes de Paz Cercan el Cielo, Amor, Jamás Acabarás de Ser Amor" (2003), una historia un poco autobiográfica realizada en blanco y negro donde se narraban siete días del deambular de Gerardo, un homosexual, por la ciudad de México y que toma el nombre de un poema inédito de Passolini, "La Persecución" y está incluido en "Poesía en forma de rosa".. Ganadora del “osito” de Berlín.

Después de "Mil Nubes de Paz Cercan el Cielo, Amor, Jamás Acabarás de Ser Amor", vinieron el cortometraje titulado “Dormiré Cuando Esté Muerto" en el 2004 y "El Cielo Dividido”, segunda parte de "Mil Nubes...", en el 2006, ganadora de menciones en Cannes y en otros festivales; su última aventura cinematográfica es el largo “Rabioso Sol, Rabioso Cielo”, donde se descubren todas las opciones sexuales que caben en nuestros cuerpos.

Cortos:

Vivir (2003)

Dir. Julián Hernández

David (2005)

Guión: Julián Hernández

Bramadero (2007)

Dir. Julián Hernández

Vago rumor de mares en zozobra (2008)

Dir. Julián Hernández

Paloma (2008)

Guión: Julián Hernández

Atmósfera (2009)

Dir. Julián Hernández

Gerardo Martínez

Pacheco en CINE

2010-11-26T12:46:00.000-08:00

Para describir lo que ha hecho José Emilio Pacheco en las artes de la escritura, la única palabra que podemos suministrar es : “integro”, no por el hecho de ser un hombre solido frente a las animadversiones del destino y desatino político o histórico que le ha tocado vivir, sino porque es de los pocos, o excepcionales seres que ha sabido combinar, en las letras, casi todas las funciones dimensionales que un verbo tiene, que también tiene el adverbio y que corona como una diadema la forma del tiempo que este escritor cincela como un desesperado escultor que busca dimensionar las matemáticas.

José Emilio Pacheco se ha paseado por la poesía, el cuento y la novela, como duque en calesa, sin embargo, curioso como lo es, se ha cubierto de gloria con la investigación, que más parece invención de las artes cinematográficas. Pacheco no solo se queda en la esquela de su obra adaptada al cine sino que se mete, como soldado en trinchera, a elaborar el guion con la parsimonia de un duende mago, nos relata en imágenes y vuelve a hacer el libro en forma de planos, de pulsos, de momentos estelares de luz y fotografía.

Sus novelas y cuentos han sido adaptados, pero él se dio a la tarea de adaptar, también, cuentos de otros, novelas de aquellos que una vez o alguna vez, frente a sus máquinas de escribir, redactaron obras más parecidas a las imágenes de pantalla que a las imágenes que nos traduce el papel impreso.

En sus principios José Emilio Pacheco destacó como fuente inspiradora para varios realizadores del Primer Concurso de Cine Experimental, sobre todo, con los filmes `El parque hondo" y `El viento distante" que rodaron Manuel Michel y Salomón Láiter, respectivamente. Luego colaboró con Arturo Ripstein, en `El castillo de la pureza", `El santo oficio" y `Foxtrot", así como en `Lecumberri", en la que no se le da crédito. Las imágenes del cine de Pacheco, tanto de sus obras como de otras adaptaciones, solo pueden compararse con crónicas que nos dibujan un México que es Latinoamérica y a su vez una Latinoamérica que se explaya en ciudades extrañas, como de señales fantasmas que parecen unirse en desafiantes rompecabezas de dónde estamos y hacia dónde vamos en aquel y este laberinto que nos toca vivir.

Su cine hay que verlo porque en ello hay claves para entender la vida y la mexicanidad y el latino y su misticismo. Este es un ciclo de esos que hay que atesorar y pedir una y otra vez, porque es plausible y se convierte por si mismo en toda una cátedra de valores literarios y cinematográficos.

Gerardo Martínez

SEMBLANZA

José Emilio Pacheco

Es Escritor, periodista, profesor, traductor, investigador, argumentista y guionista. Su vida navega todos los sentidos comunicacionales. Un ser que se atreve a centrar el inexistente equilibrio entre la realidad y lo que se cuenta.

Su nombre completo es José Emilio Pacheco Berny. Nació en la Ciudad de México, el 30 de junio de 1939. Para algunos estudiosos es un Escritor fundamental entre los surgidos en la segunda mitad del siglo, realizó estudios de letras y derecho en la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM). Poseedor de una precoz vocación literaria, desde la segunda mitad de los cincuenta ha colaborado en numerosas publicaciones nacionales y extranjeras y ha hecho famosa e indispensable, desde hace varias décadas, su columna “Inventario”, en la cual ha fundido, con notable acierto, el periodismo, la literatura y la divulgación.

Este Autor de una ya cuantiosa bibliografía, que incluye varias antologías, del modernismo y de poesía mexicana, entre otras, y una exigente recopilación de traducciones, ha recordado con su trayectoria los vastos intereses y capacidades de otro polígrafo, el regiomontano Alfonso Reyes.

Entre los títulos de su autoría se cuentan El viento distante (cuyos cuentos inspiraron una cinta casi homónima dirigida por Salomón Láiter, Manuel Michel y Sergio Véjar), Morirás lejos, El principio del placer, Las batallas en el desierto, espléndida novela corta que fue llevada a la pantalla por Alberto Issac con el título de Mariana Mariana (1986), No me preguntes cómo pasa el tiempo, Islas a la deriva, Desde entonces, Miro la tierra, Los trabajos del mar y Tarde o temprano, recopilación de 1980 que muestra los tonos de su trayectoria como poeta, entre el más alto rigor estilístico y la interrogación sobre el desolador estado del mundo.

También, ha incursionado en el cine, como guionista y argumentista determinando una escuela estructura dentro del ya tramado y estudiado lenguaje cinematográfico. Realizó el esqueleto basamental de las cintas El castillo de la pureza (1972), por la que ganó el Ariel al mejor guión cinematográfico, El Santo Oficio (1973), por el que se hizo acreedor a la Diosa de Plata del rubro de guión, y Foxtrot (The Other Side of Paradise, 1975).

Aarón Rosette

LA PELÍCULA MÁS LARGA En LA HISTORIA del cine

2010-11-23T07:32:00.001-08:00

La película más larga hasta la fecha es 'The Cure For Insomnia' , una cinta (o muchas) con una duración estimada de 5220 min (87 horas).Dicha película se rodó en 1986, aunque se exhibió por primera vez en público en enero de 1987 en el instituto de arte de Chicago. La proyección se realizó de forma ininterrumpida. La cinta fue dirigida por John Henry Timmis IV, y seguro que muchos estaéis pensando, ¿y de que se puede hablar durante tantas horas sin parar? En ella aparece el poeta L.D. Groban leyendo un poema suyo de 4.080 páginas con pequeños cortes de heavy metal y escenas pornográficas.

Antes de 'The Cure For Insomnia', la película más larga era 'Lo que el viento se llevó', con 211 minutos (3 horas y media) de duración.

Viva el cortometraje mexicano. Vengan todos.

2010-11-11T17:01:00.000-08:00

Sin duda alguna la narración cinematográfica se explaya y se extiende a la hora de hacer cortos. Es la síntesis y la abstracción de una idea lo que hace grande a la historia narrada cinematográficamente en apenas unos minutos.

El corto siempre se ha tomado como un formato menor, desde los tiempos en que las grandes compañías de cine nos adiestraron a ver historias largas basadas en cuentos y novelas y nos dejaron sin reconocer que el cien se inició con el corto y con las historias pequeñas que narraban grandes sucesos y situaciones.

El nacimiento de este arte se hizo presente a través de las imágenes que pregonaban un ballet, un sketch teatral o una simple mirada al entorno, todo dimensionado en pocas palabras, en pocas aristas de miradas seductoras que se explayaban brevemente en la pantalla grande. Es decir si el cine nacía, con él venía implícita la brevedad, cosa que aún en una narración larga se puede observar la concisión de un segundo, de una historia edificada en secuencias, planos, pequeños esquemas que nos dan los vértices del todo.

Viva el corto, cortometraje, Viva el festival de Cortometraje Mexicano, que a partir de este Sábado 13 y hasta el 21 de noviembre se estaré celebrando y que culminará con la premiación del VII Concurso de Cortometraje “Yucatán 2010”, con la Proyección de cortometrajes seleccionados y ceremonia de premiación. 20:00 Hrs. Cineteca Nacional “Manuel Barbachano Ponce” del Teatro Mérida y que contará con la presencia del laureado Director mexicano. Julián Hernández.

Entrada libre.

La programación a continuación:

X FESTIVAL DE CORTOMETRAJE MEXICANO PROGRAMA GENERAL

2010-11-11T12:48:00.000-08:00

13 de noviembre

Interno

Dirección: Andrea Borbolla.

Duración: 83 min.

En abril del 2003 Ann Moxey, psicóloga especialista en adicciones, maestra de yoga, y ex corresponsal de guerra, crea un proyecto pionero para enseñar yoga en el Centro Penitenciario de Atlacholoaya, Morelos. Lo presentó como parte de un programa de manejo de estrés, específicamente para los internos con dependencia a sustancias. El interés de Ann era llevar la experiencia de libertad a los que viven en una doble prisión, la de las adicciones y la física en el penal. Basado en esta premisa este proyecto pretende abordar la metáfora del encierro, la libertad y el camino de la transformación como eje central del documental.

Ceremonia inaugural con la presencia de Andrea Borbolla directora del documental.

14 de noviembre

En la casa nueva

Dir. Luis Mariano García

14:00 min.

La Despedida de Eugenio

Dir. Alejandro Zuno

21:00 min.

Sólo pase la persona que se va a retratar

Dir. Roque Azcuaga

13 min.

Cerraduras

Dir. Enrique Vázquez Sánchez

25:00 min.

Crónica de un instante

Dir. Ileana Leyva

15 min.

Los Trashumantes

Dir. Federico Cecchetti Márquez

21: 30 min.

17 de noviembre

Naturaleza muerta

Dir. Gastón Andrade Juárez

6:05 min.

La lírica y la batalla

Dir. Emilio Belin Sandoval

19:12 min.

Sequía

Dir. Miguel Ángel Sánchez

5:00 min.

Éxodo 21:23

Dir. Daniela Cruz Rodríguez

11:00 min.

Casa Cuna

Dir. Alicia Segovia Juárez

23 min.

(Casi) todo por placer

Dir. Alejandro Murillo

11:04 min.

El Complejo Cenicienta

Dir. Andrea Oliva Marcial

11:40 min.

Viento desierto

Dir. Arian Sánchez Covisa

2 min.

Cosmos

Dir. Mariana Valdez Hermoso

29 min.

18 de noviembre

El milagro del niño

Dir. Estíbaliz Nallely Márquez Tascón

4:40 min.

Fan Wars

Dir. Luisba Fuentes Martínez

12:00 min.

Manneken

Dir. Alfonso Coronel

8 min.

Dependencia in

Dir. Arturo Díaz, Alfonso Coronel y Martín Molina

15:40 min.

Hasta la punta de los dedos

Dir. Alejandro Murillo Martínez

13:24 min.

Pasatiempo

Dir. Raúl Zendeja Escandón

10 min.

¿Cómo has estado?

Dir. Alejandro Moreno-Novelo

18:30 min.

Ahí va el diablo

Dir. Rodolfo Torres

1:20 min.

Los sonidos de la luz

Dir. Marusia Estrada Zepeda

10 min.

Limbo

Dir. Georgina González Rodríguez

3:50 min.

Emma

Dir. Masha Kostiurina

27:00 min.

19 de noviembre

El inmortal

Dir. David Castañón Medina

19 min.

Tierra en el tambor

Dir. Esteban Arrangoiz

6.28 min.

Luis Felipe Fabre en rushes

Dir. Alejandro Murillo

5:50 min.

Lo más simple

Dirección: Alfonso Mendoza

9:00 min.

Terreno familiar

Dir. Raúl Zendeja Escandón

13:30 min.

Andrea

Dir. Alicia Segovia Juárez

8:48 min.

Desierto cielo

Dir. Emilio Aguilar Pradal

19 min.

Café Internet

Dir. Olivia Portillo Rangel

18 seg.min.

Fragmentos sobre el vértigo

Dir. Lola Ovando

33 min

20 de noviembre

Retrospectiva en corto de Julián Hernández

Vivir (2003)

Dir. Julián Hernández

9 min.

David (2005)

Guión: Julián Hernández

15 min.

Bramadero (2007)

Dir. Julián Hernández

21 min.

Vago rumor de mares en zozobra (2008)

Dir. Julián Hernández

19 min.

Paloma (2008)

Guión: Julián Hernández

10 min.

Atmósfera (2009)

Dir. Julián Hernández

18 min.

Al concluir la proyección habrá una charla con el director Julián Hernández.

21 de noviembre

VII Concurso de Cortometraje “Yucatán 2010”

Proyección de cortometrajes seleccionados y ceremonia de premiación.

20:00 Hrs.

Cineteca Nacional “Manuel Barbachano Ponce” del Teatro Mérida.

Entrada libre.

Ciclo de cine de David Lean

2010-10-18T19:46:00.000-07:00

Si con algo pudiéramos comparar el cine de David Lean sería con la novela naturalista. Sus personajes, su ritmo, sus encuadres y grandes secuencias demuestran que la paisajística va marcando profundamente los tiempos psicológicos de la historia.

Nacido el 25 marzo 1908, Croydon, Surrey, England, Reino Unido, David Lean fue un prodigo del cine, así como un prodigio para la industria cinematográfica, sus trabajos en la industria fueron desde Director, Guionista, Ayudante de dirección, Actor, Productor hasta Editor. El creador conocía el cine hasta en sus más íntimas fibras y aún así era un gran director de actores pues desde que llegó a trabajar a los estudios “GAUMONT” se interesó por el teatro y las posibilidades que este brindaba al formato de gran pantalla. Allí se rozó con los grandes directores ingleses Michael Powell y Emeric Pressburger con quienes va aprehendiendo la técnica, el uso del color y la conformación psicológica de cada actuación y de cada escena.

Allí también se relaciona con Noel Coward, quizá uno de los mejores dramaturgos del melodrama inglés y con quien cincela sus primeros guiones, ambos codirigen Sangre, sudor y lágrimas (1942), La vida manda (1944), rodada para Cineguild, fundada por ambos y Ronald Neame, y se prolonga en El espíritu burlón y Breve encuentro, de 1945. Es justamente con esta última que David Lean comienza una cosecha de premios que abarcará gran parte de su vida y su filmografía, no hubo Palma de Oro, León de Venecia, Oso de Berlín y Oscares que no se llevara y es que su cine establece autopista para estudiar lo que es la organización del cine pero también la exposición actoral en aquellos inmensos dibujos paisajísticos donde mece sus personajes.

El cine de David Lean recreó durante 5 décadas la aventura y la pasión en naturalezas desbordadas. Los colores se comen la pantalla y la grandiosidad viene acompañada por grandes escenas de masas que solo se recrearon en los cincuenta y sesenta para competir con el naciente medio televisivo.

Es de acotar que irónicamente es la televisión quien compró sus películas para pasarlas en momentos en que necesitaban rellenar los horarios de programación. Por ello su filmografía fue reduciéndose a una vez por año una película en TV, la crítica lo olvido y los historiadores de cine también hasta que un día el British Film Institute y los directores de cine Francis Ford Coppola, Steven Spielberg, Martín Scorsesse y George Lucas decidieron que era hora de darle su merecido lugar en la historia de la cinematografía y renovaron sus filmes, los pasaron a la majestuosidad de sus originales 70 mm y los proyectaron en galas de cine durante los 90. Hoy el DVD y el Blu Ray nos devuelven su original belleza y llega a través de la mano de La dirección de Artes Visuales del ICY y la Galería Tataya para presentarse una vez más en la ciudad de Mérida.

Desde el sábado 23 de Octubre hasta el Sábado 30 del mismo mes la Cineteca del Teatro Mérida se viste de gala y nos recrea ese cine que todos debemos ver, aprehender y admirar. La pantalla es para Ustedes y los espera.

“El grandioso cine de David Lean"

Del 23 al 31 de octubre de 2010

Cineteca Nacional “Manuel Barbachano Ponce” del Teatro Mérida

ENTRADA LIBRE

Sábado 23 de octubre, 17:00 hrs.

“Lawrence de Arabia” (Lawrence of Arabia)

(Reino Unido, 1962)

Dirección: David Lean.

Intérpretes: Peter O’Toole, Alec Guinness, Anthony Quinn y Omar Sharif.

Sinopsis: Lawrence, un conflictivo y enigmático oficial británico es enviado al desierto árabe durante la Gran Guerra en la campaña de ayuda a Arabia contra Turquía. En el desierto, se hace amigo de Sherif Ali Ben “El Kharish” y pone todo su empeño en la ayuda a los árabes. Éstos creen que Lawrence es otro amante del desierto que ayuda porque cree que Arabia es débil, mientras que sus superiores británicos creen que se ha vuelto loco.

Duración: 228 min.

· Ganadora de 7 Premios Oscar (Dirección de Arte, Fotografía, Edición, Música, Sonido, Director y Mejor Película).

Domingo 24 de octubre, 17:00 hrs.

“Un espíritu burlón” (Blithe Spirit)

(Reino Unido, 1945)

Dirección: David Lean.

Intérpretes: Rex Harrison, Constance Cummings y Kay Hammond.

Sinopsis: Adaptación cinematográfica de una exitosa obra teatral de Noël Coward, una comedia sobre el fantasma de una ex-mujer que viene a molestar a la nueva esposa de un novelista.

Duración: 96 min.

· Ganadora del Premio Oscar a Mejores Efectos Especiales, 1947.

Domingo 24 de octubre, 20:00 hrs.

“Breve encuentro” (Brief encounter)

(Reino Unido, 1945)

Dirección: David Lean.

Intérpretes: Celia Johnson, Trevor Howard y Stanley Holloway.

Sinopsis: La casualidad hace que un hombre y una mujer, ambos de edad madura y casados, coincidan en la estación de tren cuando se dirigen a sus trabajos. Su amistad inicial pronto se convertirá en un amor tan intenso como prohibido.

Duración: 86 min.

· Ganadora del Gran Premio del Festival de Cannes 1946.

· Ganadora del Premio a Mejor Actriz (Celia Johnson) otorgado por el Círculo de Críticos de Cine de Nueva York, 1946.

Martes 26 de octubre, 17:00 hrs.

“La hija de Ryan” (Ryan’s Daughter)

(Reino Unido, 1970)

Dirección: David Lean.

Intérpretes: Robert Mitchum, Trevor Howard, John Mills y Sarah Miles.

Sinopsis: Transcurre el año 1916, en Irlanda, cuando se produce el levantamiento contra los ingleses. Charles, un maestro rural que vuelve de Dublín a su pueblo, tras una breve ausencia, se casa con su novia Rosy. El docente es un hombre maduro, con más de cuarenta años, mientras que su esposa apenas pasa de los veinte.

Duración: 206 min.

· Ganadora de 2 Premios Oscar (Actor Secundario –John Mills- y Fotografía), 1971.

Ganadora del Globo de Oro a Mejor Actor Secundario –John Mills-, 1971.

Miércoles 27 de octubre, 19:00 hrs.

“El puente sobre el río Kwai” (The bridge on the river Kwai)

(Reino Unido-Estados Unidos, 1957)

Dirección: David Lean.

Intérpretes: William Holden, Alec Guinness y Jack Hawkins.

Sinopsis: Durante la Segunda Guerra Mundial, un grupo de prisioneros británicos son obligados por sus guardianes japoneses a construir un puente. Los oficiales, capitaneados por su frío coronel, se opondrán a toda imposición que viole las convenciones sobre las condiciones de los prisioneros de guerra.

Duración: 161 min.

· Ganadora de 7 Premios Oscar (Actor Principal –Alec Guinness, Fotografía, Edición, Música, Sonido, Guión Adaptado, Director y Mejor Película), 1958.

· Ganadora de 3 Premios (Actor –Alec Guinness-, Director y Mejor Película) otorgados por el Círculo de Críticos de Cine de Nueva York, 1957.

Jueves 28 de octubre, 19:00 hrs.

“Oliver Twist”

(Reino Unido-Estados Unidos, 1948)

Dirección: David Lean.

Intérpretes: Robert Newton, Alec Guinness y Kay Walsh.

Sinopsis: Famosa adaptación de la novela de Dickens. Oliver es un niño huérfano que cuando era un bebé fue abandonado a las puertas del orfanato por una madre soltera. Resultando ser una carga para el malvado director de la institución, decide venderlo a un empresario como aprendiz para su taller.

Duración: 116 min.

· Nominada al León de Oro en el Festival de Venecia 1948.

Viernes 29 de octubre, 19:00 hrs.

“Grandes esperanzas” (Great expectations)

(Reino Unido, 1946)

Dirección: David Lean.

Intérpretes: John Mills, Jean Simmons y Alec Guinness.

Sinopsis: Adaptación de la novela "Grandes esperanzas" de Charles Dickens. El hijo de un humilde herrero es enviado a educarse a Londres gracias al dinero de un benefactor cuya identidad desconoce.

Duración: 118 min.

· Ganadora de 2 Premios Oscar (Dirección de Arte y Fotografía), 1948.

Sábado 30 de octubre, 17:00 hrs.

“Doctor Zhivago”

(Estados Unidos-Italia, 1965)

Dirección: David Lean.

Intérpretes: Omar Sharif, Julie Christie, Alec Guinness, Geraldine Chaplin y Rod Steiger.

Sinopsis: Rusia, Revolución de 1917, la guerra produce una convulsión general en un país dividido, y en medio del conflicto asistimos al drama íntimo de un hombre lucha por sobrevivir. Este hombre es Zhivago, poeta y cirujano, marido y amante; cuya vida trastornada por la guerra afecta a las vidas de otros muchos incluida Tonya, la mujer con la que se casa y Lara, la mujer a la que no podrá olvidar.

Duración: 200 min.

· Ganadora de 5 Premios Oscar (Dirección de Arte, Fotografía, Diseño de Vestuario, Música y Guión Adaptado), 1966.

· Nominada a la Palma de Oro en el Festival de Cannes 1966.

De la era de la información a la era de la infoxicación

2010-10-06T14:10:00.000-07:00

Posted in Infoxicación by La bitacora de Codi on 29/04/2009

Queremos estar informados. Nos despertamos por la mañana y encendemos el televisor. Lo seguimos viendo mientras desayunamos. Mientras vamos en el carro sintonizamos una emisora de noticias o de opinión. Llegamos al trabajo y leemos el periódico. Luego abrimos varios blogs de noticias e información en el computador mientras revisamos el correo electrónico, de trabajo o personal. Allí encontramos todo tipo de información, la necesaria para trabajar, conversaciones con amigos y familiares, hasta las típicas presentaciones con recomendaciones de seguridad en la calle, productos dañinos para la salud, muestras de afecto, poemas, fotos increíbles, videos graciosos, spam (información publicitaria no solicitada), etc.

Muchas veces sucede que cuando necesitamos un dato preciso, no lo encontramos en nuestra memoria. Sabemos que leímos algo sobre eso en alguna parte, sabemos hasta dónde lo vimos, pero no recordamos la información. Otras veces vamos a realizar una investigación sobre un tema, y tenemos tanta información disponible, desde todos los puntos de vista, de todos los aspectos, que increíblemente nos cuesta mucho esfuerzo sacar algo en concreto.

Muchos sufrimos de un mal de esta época: la infoxicación.

Este neologismo fue acuñado por Alfonso Cornella, y nace del cruce de las palabras información e intoxicación.

Se refiere a la intoxicación intelectual debida al exceso de información disponible hoy en día gracias a las tecnologías, lo que produce una sobrecarga informativa. Esto ocasiona ansiedad, debida a la imposibilidad de asimilar la inmensa cantidad de datos disponibles en poco tiempo.

El término equivalente en el inglés es information overload (sobrecarga de información). Se entiende como una cantidad excesiva de información proporcionada, haciendo el procesamiento y asimilación de la misma muy difícil para el individuo.

Una de las consecuencias que trae este fenómeno es la desinformación.

Causas generales de la infoxicación:

La tasa de información nueva que se produce día a día va en aumento.

Tendemos a recoger más información de la necesaria para apoyarnos a la hora de tomar decisiones o la almacenamos por si pudiese sernos útil en el futuro.

Aumento de los canales desde donde nos llega la información que en muchos casos ni hemos solicitado ni nos es útil.

Hay mucha información obsoleta circulando en la Internet, así como muchas contradicciones e imprecisiones. Entonces buscamos más información de la necesaria para tratar de comprobar que la que se va encontrando es la correcta y, para ir sobre seguro, tratamos de obtener toda la información posible sobre un tema.

Escasez de métodos para comparar y procesar los diferentes tipos de información.

Utilizamos la información como forma de imponerse en la sociedad. Conocimiento = Poder.”Todo este fenómeno de multiplicación de la cantidad de información que existe en el mundo se ha venido a llamar la ‘explosión de la información’, aunque más bien debería llamarse la ‘explosión de la desinformación’, indigerible y confundidora”. (Cornella, 2002)”Información infinita es igual a información cero”. Umberto Eco

Links relacionados:

http://snarkconsulting.blogspot.com/2007/10/infoxication.html

http://www.infovis.net/printRec.php?rec=glosario&lang=1

http://www.documentalistaenredado.net/577/infoxicacion-intoxicacion-de-informacion/

http://es.wiktionary.org/wiki/infoxicación

http://santi-garcia.blogspot.com/2009/03/infoxicacion.html

http://en.wikipedia.org/wiki/Information_overload

http://listanacho.blogia.com/2005/110501–infoxicacion-por-alfons-cornella.php

http://www.documentalistaenredado.net/704/la-infoxicacion-desde-un-punto-de-vista-filosofico/

http://www.documentalistaenredado.net/495/la-infoxicacion-en-el-siglo-xvi/

Etiqueta con:information overload, Infoxicación

1 comentario

“Si le agregamos a lo ya enunciado anteriormente lo que voy a incrementar en esta lista: Abultamos nuestra infoxicación diaria con claves para las tarjetas de débito y/o crédito virtuales, inscripciones en alguna organización y/o organismo que demande de claves. Clave para ver los estados de cuenta de productos tales como el servicio de la operadora telefónica del móbil celular... claves, claves y claves, Ipods, blackberrys, etcétera, etcétera etcétera...”

“Para que esa infoxicación no atente contra nuestra paciencia y el estrés cotidiano no se convierta en una calamidad individual y pública, no nos asfixie, vulnere nuestra salud mental y síquica y atente contra nuestros cotidianos conocimientos debemos tomar nosotros el control mental y no abandonarlo... ¿a quién?...”

“Fichas nemotécnicas, expresiones y palabras claves que deseamos re tener en nuestro disco duro interno y en nuestra memoria reciente y pasada, pueden almacenarse y pasar a formar parte de nuestros hábitos de organización y no sucumbir al intento...” R.S.R.

“Los espejos del Alma ahora son de Plasma”

2010-10-05T17:34:00.001-07:00

Estudiamos los efectos de la comunicación social, la impresa, el diseño, la comunicación cuerpo a cuerpo, la audiovisual, la masiva, la intercomunicación (o intra) con la incursión de las nuevas tecnologías desde el “tape” las cintas de “rail” desde los super grabadores paralelos a los supercomputadores, eight tracks, los cassettes, los cd, dvd, mini dvd igual que con los procesadores de palabras, las primeras Mac, los Pc, Windows, las laptops, los mini laptos, los celulares, los I’pods, los Iphones, las I’pads, los BlackBerries y no ya la Galaxia Mcluhan sino la superautopista de la información y pare Usted de contar.

¿Qué, estamos contra la tecnología y sus avances? En lo absoluto. De ninguna manera. Escribimos sobre las bondades, alcances y beneficios de la Informática y Nuevas Tecnologías, desde la tesina de grado a mediados de la década 80 y luego los lunes en la C-2 en el estándar de Puente Nuevo a Puerto Escondido. En Educación para Todos, etcétera, Pero ¿Qué ocurre? ¿Qué ha pasado? ¿Hacia dónde parece que vamos?

Don Adolfo Herrera, ex director de la Escuela de Comunicación Social de la UCV, director de medios, defensor de los avances en pro del ejercicio profesional, venga de la latitud que venga (porque también fue corresponsal de Xinhua en Pekín y posteriormente con las mejores relaciones con USIA-USA), difusor e impulsor de los laboratorios de Comunicación Humana, del Análisis Transaccional (AT-Erick Berne) y de muchas escuelas de la conducta humana, recomendó muchos textos y autores.

Desde la “Incomunicación” de Castila del Pino, con un lenguaje con algo de castellano antiguo que transmite semejante efecto al de “Para comprender la Comunicación” de Antonio Pasqualli, mas o menos dirigido a las élites de los círculos de estudio, paseándose por Virginia Satir, que muchos tildan de “autoayuda” hasta los múltiples libros del “Lenguaje del Cuerpo” todos hablan de comunicación. Y “comunicólogos” o no, sicólogos y estudiosos de la conducta se han preocupado por causas y efectos….

En los 70, otra Martha Colomina a la que conocemos hoy, se dedicaba a investigar los efectos de la (mala) comunicación o mal uso de ella sobre el ser humano, en la onda de los seguidores de la Escuela de Frankfurt ocupaba espacio, caracteres no “bites ni bits” como hoy, sino páginas en blanco manchadas por tinta. Ejemplo de ello fueron “El Huésped Alienante” y/o “La Celestina Mecánica”.

La preocupación del aislamiento de los hijos frente a la pantalla chica, blanco y negro o a color, era la “caja” que servia de niñera, que aglutinaba a la familia la hora de la telenovela, del noticiario y/o frente a los programas de concursos.

Luego vino la parabólica, la televisión por cable y se hizo presente la Galaxia MacLuhan. Ya no había fronteras y menos aun al llegar Internet y la superautopista de la Información. Con los msj y el tecleo sobre los celulares se transmutó ya no es face to face ahora es Facebook y llegamos a “twitter”.

Estamos inmersos en la super Galaxia Comunicacional y alguna vez escuchamos que los “ojos son los espejos del alma” pero ahora el espejo es de “plasma”, los ojos son las pantallas de la Pc, Mac, laptop, I’pad o cell phone o BlackBerry. A este tipo de comunicación individual y colectiva, ya no es face to face, cuerpo a cuerpo, en vivo, “in situ”. Es de cámara o mini de video vs otra cámara, zanjando kms, millas náuticas, meridianos y paralelos. La Gloria Globalizada…

Y a muchos les sorprende que la comunicación ya es o no sinónimo de incomunicación. De relaciones interpersonales un poco menos cálidas, la calidez sólo proviene del movimiento de los componentes y desgaste de las computadoras o del recalentamiento de los aparatos electrónicos.

Y se sorprenden más aún cuando recuerdan que un tal Erich From escribió algún día “La Soledad del Hombre” y hoy te sientes super acompañado por la tecnología global y también más sólo que nunca en las inter relaciones personales. Si no, pregunten a los terapeutas, a los sicólogos y el por qué se abren cada vez más talleres de bailoterapia, de sico terapias corporales, biodanza, etcétera, etcétera y las vistas a esos consultorios se incrementan de forma paralela al avance super tecnológico…o .

Entonces muchos se preguntan ¿Dónde queda la intolerancia? ¿Por qué tanta violencia en la calle? No sólo en cuanto a crímenes se refiere, en el trato, en las calzadas: moto vs auto, auto vs peatón, usuario del Metro que agrede a otro usuario. Es el ícono o la iconografía del individualismo. Yo con yo, “yoismo”, yo valgo más, la autoestima elevada a la máxima potencia hasta el grado del Narcicismo y Ultra Egocentrismo.

¿Hacia ya vamos? ¿Es esa la Super Sociedad que queremos? Hacia allá iremos, pues…

Ricardo Sánchez Romero

Semillas de vomito.

2010-09-22T13:22:00.000-07:00

Toda mi vida he querido
parecerme a Elizabeth Taylor. Ahora,
Elizabeth Taylor se parece a mí
Divine

El cine de John Waters es una inmensa bofetada a nuestro cerebro y costumbres y se cimbra en nuestra vista como un alfiler caliente. Cineasta imitado sin los mismos resultados Waters recreó sin miedo y tapujos el cine donde pululaban, como gusanos reproduciéndose en podridos, las familias de obreros que sostienen el sistema norteamericano.

Su gran alter ego, némesis y diva fue la contestaría Divine, nacida como Harris Glenn Milstead (19 de octubre de 1945 - 7 de marzo de 1988) y que creció justamente en el seno de una familia problemática, según sus propias palabras se sintió atraída desde niña por senos y vulvas femeninas porque le recordaban el odio que sentía hacia su madre y por grandes falos pues le remitían a los cuentos de hadas y aventureros medievales. Divine, considerada por la revista PEOPLE como la más influyente diva travestorra; caminó por las aguas mas turbias que otra persona haya hecho, fue delincuente, actriz, travesti, creo fortunas que dilapidó con vicios y se interpretó a ella misma en cuanto película hizo, siempre saliendo victoriosa y cantando cuanta porquería le dio la gana.

Es por ello que Waters la toma para indicarnos la carne de la que está formada la sociedad blanca norteamericana, con sus fobias y múltiples caras, fisonomías que siempre esconden en su obsesión de guerra y expansionismo y que luego se traducen en traumas y miedos. De ahí que el mismo acuñó el término “White Trash”, que ellos con tan alto éxito han retratado y tomado como producciones para hacer el “Show de Jerry Springer” y otros modelos de TV basura, que tanto abunda y que con furia exportan como uno de sus grandes logros: llenar de mierda las pantallas chicas y no tan chicas.

John Waters y Divine quizá es la primera vez que se presenta, en una antología de película y lujo, en la ciudad de Mérida y me atrevería a decir que nuevas generaciones, que nunca han visto nada así, como viejas generaciones a quienes en su momento la moralina doble les negó ver el sucio norteamericano, disfrutarán del doble sentido cómico del hundimiento de una nación que ya no es modelo para nadie y que esta solidificada en unas bases de mentiras, de ignorancia, de escatología, muy a pesar de que para algunos sectores sea modelo. La basura blanca campante, llena de malos ejemplos con una irreverente “comemierda” como a la misma Divine le gustaba llamarse y un director que nos vomita verdades de un solo golpe y sin darnos descanso para el aliento.

Esto es el Cine que debemos ver para tener posiciones y propuestas y hoy no los trae la Dirección de Artes Visuales del ICY. Disfrútenlo sin comer antes, pues es necesario tener estomago para analizar a una sociedad retratada en su más ínfima crudeza.

Gerardo Martínez.

8 de octubre

“Problemas femeninos” (Female trouble)

(Estados Unidos, 1974)

Dirección: John Waters.

Intérpretes: Divine, David Lochary y Mary Vivian Pearce.

Sinopsis: Dawn Davenport (Divine) es una niña mimada de preparatoria, la cual, después de un violento arrebato en una mañana de Navidad, huye de su casa. Ese mismo día es violada, lo que la llevará a un embarazo no deseado y al nacimiento de su hija Taffy.

Duración: 89 min.

9 de octubre

“Polyester”

(Estados Unidos, 1981)

Dirección: John Waters.

Intérpretes: Divine, Tab Hunter y Edith Massey.

Sinopsis: Francine Fishpaw (Divine) está casada con un dueño de un cine porno y tiene dos hijos: Dexter, drogadicto y maníaco sexual, y Lu-Lu, ninfómana y novia de un punkie. La disfuncional familia comienza a llevar a Francine al colapso nervioso.

Duración: 86 min.

10 de octubre

“Hairspray”

(Estados Unidos, 1988)

Dirección: John Waters.

Intérpretes: Sonny Bono, Ruth Brown, Divine y Debbie Harry.

Sinopsis: Tracy Turnblad es una adolescente con problemas de peso que sueña con ser famosa bailando en el programa “El show de Corny Collins”. Sus aptitudes para el baile parecen acercarla a su anhelado sueño.

Duración: 90 min.

15 de octubre

“Desperate living”

(Estados Unidos, 1977)

Dirección: John Waters.

Intérpretes: Divine, Edith Massey y Mink Stole.

Sinopsis: Una rica ama de casa (Divine) asesina a su marido con la ayuda de su asistente y las dos se dan a la fuga dando a parar a Mortville, un pueblo que provee de refugio a los criminales. Se asientan con una pareja de lesbianas. Pero aparece la tirana Reina Carlota que gobierna sobre el pueblo de Mortville.

Duración: 90 min.

16 de octubre

“Multiple maniacs”

(Estados Unidos, 1970)

Dirección: John Waters.

Intérpretes: Divine, David Lochary y Mary Vivian Pearce.

Sinopsis: La degenerada Lady Divine dirige un show ambulante llamado “La caravana de la perversión”. El espectáculo sirve como cebo para atraer víctimas y luego asaltarlos. El amante de Lady Divine decide traicionarla y planea asesinarla ayudado por su nueva conquista.

Duración: 90 min.

17 de octubre

“Pink flamingos”

(Estados Unidos, 1977)

Dirección: John Waters.

Intérpretes: Divine, Edith Massey y Mink Stole.

Sinopsis: Babs Johnson (Divine) vive con su madre, su hijo delincuente Crackers y su amiga Cotton. El matrimonio Marble (que se dedica a vender heroína en los colegios y bebés a parejas lesbianas) tiene envidia de que Babs ostente el título de “la persona más inmunda del mundo” y hará todo lo posible por arrebatárselo.

Duración: 108 min.

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Divine es la musa travestida del director norteamericano John Waters. Una diva que poco tiene que ver con la sofisticación y la exquisitez de Hollywood. La estrafalaria estrella representa los valores contrarios: la inmundicia, la locura, el crimen y la vulgaridad; todo en pos de la provocación más subversiva que se ha visto en la historia del cine estadounidense. Dicha propuesta se inserta en un movimiento conocido como “Trash cinema”.

El trash es una vertiente del cine underground, que va de fines de los 60’s hasta los primeros años de la década siguiente. Es el frenesí por desgarrar esquemas morales imperantes aunados a las aspiraciones de un mundo con mayores libertades. La guerra en Vietnam, el movimiento hippie y la revolución sexual definen ideológicamente a este cine, cuya aparición fue posible gracias al surgimiento de nuevos formatos como el super 8. La llegada de pequeñas y accesibles cámaras permitió que algunos jóvenes realizaran sus propias películas, con recursos limitados pero total libertad.

“Este cine tuvo mayor actividad en Nueva York y la Costa Californiana, donde el espíritu independiente había detonado la producción de una incontable cantidad de películas. El movimiento recibió el nombre de cine underground (subterráneo) por estar ajeno a la industria de Hollywood y por su carácter clandestino. Era un cine de experimentación y vanguardia que se rebelaba a la sociedad de consumo y que encontraba en el sexo y las drogas sus temas de inspiración.”

Gubern, Roman. Historia del cine.

De sus autores quien logró más fama fue Andy Warhol. Un artista importante en el desarrollo del pop art. Su cinta “Trash” (1970) difundió el término para referirse despectivamente a las personas blancas que viven desadaptadas de la sociedad. A partir de Warhol, el cine underground se volvió más insurrecto, llegando a niveles escandalizantes para algunos. Los artistas buscaban provocar con mucha fuerza y eso derivó en la vertiente trash (cine basura), donde el mal gusto y ordinariez son mecanismos para trastocar los valores de la sociedad norteamericana. Se reconoce en John Waters al máximo exponente del trash cinema y a “Pink flamingos” como la obra cumbre del movimiento.

Este ciclo es una retrospectiva de los primeros trabajos de Waters protagonizados por Divine, donde se establecen las características más provocativas de su filmografía. Una selección de películas no aptas para todo público, pues su visionado requiere, además de la mayoría de edad, una amplitud de criterio que permita entender que en su discurso alborotador se da testimonio de un momento poco conocido en la historia del cine estadounidense. Para muchos historiadores este sigue siendo un tema incómodo, pues la rebeldía de Waters es tan fuerte que no ha perdido vigencia.

Aarón Rosette

Coordinador de Ciclos de Cine

A mitad del camino

2010-09-04T08:52:00.001-07:00

Finaliza el segundo ciclo de las divas del cine.

Ver las colas para entrar, la llegadas sigilosas de los amantes del buen cine, distinguir poco a poco la gente alegre, extasiada por los primeros planos y close ups, ha sido la gracia de las gentilezas que han dado público y críticos que han colmado de Miércoles a Domingo la Cineteca del Teatro Mérida.

El ciclo de las divas, en esta segunda etapa, que fue desde los 30s al final de los 50s ha demostrado que el auditorio de Mérida desea otras vertientes al cine comercial trabajado por Hollywood en las últimas décadas y apetece que el cine no sea para gozar con la boca embuchada en palomitas de maíz.

El ciclo de las divas abrió el baúl para ir entendiendo, junto con los otros ciclos que hacen promotores culturales independientes, que el cine descansa en la obra, en el esqueleto de un buen texto y no en la obcecada iconografía cedida por una computadora. Las personas, muchas de ellas expertas en cine, mexicano y otras en cine norteamericano, han observado que es necesario este ciclo, como otros, que reacomoden el pensamiento de la urbe a ver un buen film. Enrique Vidal, avezado maestro del ensayo cinematográfico nacional me indicó que este es un espacio que debe tomarse con la clama con la cual se bebe un buen añejo o un vino de los que traen polvo y lustre en su etiqueta.

Hay señoras que han quedado esperando más ante el final abierto, ¿final abierto?..Mare que cosa, del neorrealismo italiano. El meridano de a pie, junto con los dueños de un conocimiento de libros y universidades, se han juntado en la magia de la luz y la oscuridad para descubrir que no hay mejor telenovela y melodrama que el que hicieron nuestros abuelos. La Dama de las Camelias, de George Cukor colmó la sala, La malvada, con un duelo entre Bette Davis y Anne Baxter hizo delirar en suspiros, igualmente como las excentricidades y chistes de doble tono de la Mae West. Risas a granel…

En fin que el cometido se ha dado y abre una puerta a un tercer ciclo que ya ha sido programado en ideas y que se está curando en este momento: Divas tercera parte, desde los 60s hasta los 80s aproximadamente. En el comprenderemos el surgimiento de las nuevas corrientes y de la actriz que creaba un entorno social más que recreativo. Ooopss, ya estoy adelantando detalle….

Esperen y disfruten y sigan deleitandose.

Gerardo Martínez

DIOSAS SOSTENIDAS POR HUMO DE CIGARROS

2010-08-11T10:07:00.000-07:00

Norma Desmond, culpable de asesinato, desafía a los policías y en suntuoso plano general -que ella se imagina- baja las escaleras; Blanche Dubois en su locura histérica agudizada por los hombres, las sube; Margot, celosa del trabajo de Eva como actriz, -que a ella misma le han robado- amenaza la fiesta con una noche de tormentas mientras desafiante sube una escalinata. Así eran ellas, subían o bajaban a cuenta de la leyenda, de sus pasiones deliberadas, de su sistema implementado.

El mundo del cine sonoro nació, como el silente, con el alma de una mujer en tormento y aventuró de hacer de la féminas, bellezas que abandonaban un pasado o que lo velaban entre humo de cigarros y pistola luego de un disparo. Sin embargo y al margen de guiones que realizaban sueños, el cine creó una plataforma donde ellas se movían como peces en agua: el divismo.

Toda actriz, aún más allá de su conocimiento y sus capacidades actorales, marcaba la pauta que la industria le otorgaba: las recreaba como diosas y las ponía a dormir entre laureles designados por otros dioses detrás de las cámaras. Cada una bordó molde en la moda, en los ademanes, en las miradas y también en el estilo en las que fueron fotografiadas, porque cada una de ellas tenía su ejército de maquilladores, de peluqueros, de estilistas y hacedores de imágenes y por supuesto de su fotógrafo personal para los close ups.

Eran así: ángeles y demonios hechos y fabricados, habituadas de sueños paseando la fantasía. Característica de todas ellas es que deseaban ser superior que la otra y por eso llegaron a extravagancias o guerras alimentadas por inescrupulosos periodistas; sin embargo el fin era ser más excelentes en actuación que todas las demás. Eso les hizo mitos, pilares en las cuales se sostienen las de hoy y que a lo largo del tiempo se fueron desvaneciendo, quedando una que otra recogiendo el aire intemporal de sus grandezas.

Estas mujeres emergieron por su cabelleras, roja, como la de Rita Hayworth en el clásico del cine negro “Gilda”, cuya cinta fue sepultada en la perpetuas nieves de los andes bolivianos para su posteridad en el futuro y es que el celuloide, a pesar de las transformaciones tecnológicas actuales, vivía enamorado de ellas, de esos ojos grandes como los de Anna Magnani, quien se coinvirtió en musa de Tenesse Williams o de Greta Garbo quien en vida ya era mítica y en homenaje a ella la Real Academia de la Lengua Española aceptó la palabra “Garbo” para designar el buen gusto y la elegancia.

Los ejemplos son numerosos y no se englobarían en pocas páginas. Es desafío de leyendas y también del lenguaje cinematográfico. Tantas como la Marlene, la Mae West, la Bergman, la Davis. Ellas todas exigían papeles grandes a su medida y colocaban a revisión los guiones, luego exigían como hacer cada uno de los planos, el vestuario. Ellas, solo ellas, las de los primeros años del cine hablado edificaron su arte en la veneración que generaban y en las artes de la seducción que sabían les daba un plano o corte a otra escena donde un hombre babeante se deshacía por ellas.

Sin embargo hubo las otras que su exigencia venía de la instrucción o del bien social y político, o del adecuado entender de las letras y del teatro. Unas monstruas que procesaban, hoy negado y poco estudiado, los asuntos actorales y sus consecuencias. No solo eran plumas, joyas, vinos y glamur lo que las envolvía y las hizo míticas sino aquella lectura sublime que dejaban con cada film y con cada cátedra de acción y emoción.

Es necesario ver este ciclo pues las muestra en cada uno de sus mejores trabajos, todas nominadas, ganadoras de premios y festivales y también creando la escritura hablada del cine.

Gerardo Martínez

el ciclo de las divas sonoras. Imperdible

2010-08-11T08:13:00.001-07:00

Sábado 14 de agosto

17:00 hrs.

Mae West: Diva de labios irreverentes.

“Nacida para pecar” (She done him wrong)

Estados Unidos, 1933.

Dirección: Lowell Sherman.

Intérpretes: Mae West y Cary Grant.

Sinopsis: Lady Lou canta en el Gay Nineties, un 'saloon' regentado por Gus Jordan, quien la mantiene a su lado a base de diamantes. Pero un apuesto hombre, que se hace llamar Capitán Cummings, le avisa que está en el camino hacia su propia perdición, puesto que Gus no es lo que parece.

Duración: 66 min.

West es uno de los mayores símbolos sexuales en la historia del cine. Inspiró a Salvador Dalí para realizar el famoso “Retrato de Mae West” y el arte-objeto “Sofá de labios de Mae West”. Famosa por su actitud irreverente y su irónico sentido del humor. Fue guionista y escenógrafa de algunas de sus películas. Agregaba diálogos picantes a sus personajes y algunas de estas frases se volvieron legendarias, como: "¿Tienes una pistola en el bolsillo o es que te alegras de verme?", "Cuando soy buena, soy buena; pero cuando soy mala, soy mucho mejor" y “No son los hombres de tu vida lo que cuenta, sino la vida de tus hombres”.

Sábado 14 de agosto

20:00 hrs.

Marlene Dietrich: Las piernas perfectas.

“El diablo es una mujer” (The devil is a woman)

Estados Unidos, 1935.

Dirección: Josef von Sternberg.

Intérpretes: Marlene Dietrich y Cesar Romero.

Sinopsis: Filme estilizado y barroco ambientado en Andalucía a principios del Siglo XX. Durante la semana de Carnaval, Antonio conoce a Concha Pérez (Marlene Dietrich) una femme fatale acostumbrada a arruinar vidas. El gobierno español de la Segunda República ordenó la desaparición de la película por dar una mala imagen de la Guardia Civil. La propia Dietrich fue quien salvó y conservó oculta una copia hasta que en 1959 pudo sacarla a la luz pública, declarando además que es su cinta favorita.

Duración: 80 min.

Llamada “La mujer de las piernas perfectas”, fue la primera en asegurarlas por un millón de dólares. Diva fría e inaccesible, rival de Greta Garbo. Escandalizó a Hollywood con los rumores de su bisexualidad. Impuso el look del pantalón femenino. Es famosa su imagen vestida de smoking, en un juego de ambigüedad sexual que sirvió para acrecentar el misterio sobre su vida privada.

Domingo 15 de agosto

17:00 hrs.

Jean Harlow: La rubia platino.

“En los mares de China” (China seas)

Estados Unidos, 1935.

Dirección: Tay Garnett.

Intérpretes: Jean Harlow y Clark Gable.

Sinopsis: Una nave al mando del capitán Alan Gaskell parte de Singapur a Hong Kong llevando una carga de oro. Entre los pasajeros viajan dos ex novias del capitán, China Doll (Jean Harlow) y Sybil, provenientes de distintos ambientes sociales y que pronto entran en conflicto.

Duración: 87 min.

Conocida como “La rubia platino”, famosa por sus dorados rizos, Harlow explotó al máximo su imagen de vampiresa. En pleno apogeo de su éxito, muchas de sus fans femeninas se tiñeron el pelo de rubio platino como ella, e incluso Howard Hughes organizó un concurso en el cual el peluquero que más se acercara al tono de rubio de la actriz, recibiría un premio de 10.000 dólares.

Miércoles 18 de agosto

17:00 hrs.

Greta Garbo: La divina.

“La dama de las camelias” (Camille)

Estados Unidos, 1936.

Dirección: George Cukor.

Intérpretes: Greta Garbo, Lionel Barrymore y Robert Taylor.

Sinopsis: Margarita (Greta Garbo), nace perteneciendo a la clase baja de París, pero con el tiempo se convierte en una bella cortesana de la alta sociedad. Se llama la dama de las camelias y el rico Barón de Varville cubre todos sus elevados gastos. Desilusionada de la vida, conocerá el amor verdadero en el joven Armand Duval.

Duración: 109 min.

Garbo es uno de los grandes mitos del cine mundial. Fue apodada “La mujer que no ríe” y su rostro se consideraba el más perfecto que había dado el cine hasta ese momento.

Jueves 19 de agosto

17:00 hrs.

Katharine Hepburn: Mujer de acero

“La fiera de mi niña” (Bringing up baby)

Estados Unidos, 1938.

Dirección: Howard Hawks.

Intérpretes: Katharine Hepburn y Cary Grant.

Sinopsis: David Huxley es un paleontólogo tímido y despistado que está a punto de casarse con su secretaria. En una partida de golf conoce a Susan Vance (Katharine Hepburn), una joven adinerada y caprichosa que hará todo lo posible para evitar la boda.

Duración: 102 min.

Según el American Film Institute Hepburn es la primera en la lista de las mejores actrices en la historia de Hollywood. La única en ganar 4 Premios Oscar y en tener 12 nominaciones, superada solamente por Meryl Streep con 16 candidaturas. Sin embargo, las nominaciones de Katharine fueron siempre como actriz principal, a diferencia de Streep que tiene varias por actriz secundaria.

Viernes 20 de agosto

17:00 hrs.

Norma Shearer: La estrella de la MGM.

“María Antonieta”

Estados Unidos, 1938.

Dirección: W. S. Van Dyke.

Intérpretes: Norma Shearer, Tyrone Power y John Barrymore.

Sinopsis: Relato sobre la legendaria soberana de Francia en el Siglo XVIII que descubre romances e intrigas que sucedieron en la prestigiosa corte de Versalles, en años previos a la Revolución Francesa.

Duración: 149 min.

Norma Shearer es una figura clave en los estudios MGM en los años 30. Fue contratada desde su fundación y personificó, más que ningún otro intérprete, el brillo de la Metro Goldwyn Mayer en su momento de mayor gloria. Norma Shearer fue considerada la mejor actriz en el Festival de Venecia gracias a “María Antonieta”.

Sábado 21 de agosto

17:00 hrs.

Bette Davis: La reina de Hollywood.

“La carta” (The letter)

Estados Unidos, 1940.

Dirección: William Wyler.

Intérpretes: Bette Davis y Herbert Marshall.

Sinopsis: La fría y calculadora Leslie Crosbie (Bette Davis), esposa del propietario de una plantación de caucho en Malasia, asesina a un hombre, supuestamente en defensa propia. Pero en el momento en que todas sus mentiras iban a salvarla, aparece una comprometedora carta que la incrimina.

Duración: 91 min.

Apodada “La reina de Hollywood”, se destacó por su talento actoral y se hizo conocida por su gran profesionalismo, además de su voluble caracter. Según el American Film Institute Davis es la segunda mejor actriz en la historia de Hollywood.

Sabado 21 de agosto

20:00 hrs.

Veronica Lake: La chica Peek-a-boo.

“Los viajes de Sullivan” (Sullivan’s travels)

Estados Unidos, 1941.

Dirección: Preston Sturges.

Intérpretes: Veronica Lake y Joel McCrea.

Sinopsis: El director de cine John L. Sullivan sueña con rodar una película que aborde el sufrimiento de los menesterosos, así que convence a los ejecutivos del estudio de que le permitan recorrer el país disfrazado de vagabundo. En una cafetería, conoce a una actriz rubia (Verónica Lake), que decide vestirse de hombre y unirse a él en el experimento, viviendo como auténticos vagabundos.

Duración: 92 min.

Veronica Lake es una actriz y modelo que conquistó a la crítica en los años 40 por sus trabajos en cine negro. Impuso la moda de un peinado llamado “Peek-a-boo” que cubre la parte derecha del rostro. Lake sirvió de inspiración, en los años 80’s, para la creación del personaje animado Jessica Rabbit.

Domingo 22 de agosto

17:00 hrs.

Dolores del Río: Mexicanidad estilizada.

“Las abandonadas”

México, 1944.

Dirección: Emilio Fernández.

Intérpretes: Dolores del Río y Pedro Armendáriz.

Sinopsis: Abandonada por Julio y con su pequeño hijo en brazos, Margarita ingresa en 1914 a un prostíbulo de la Ciudad de México. Allí la conoce Juan Gómez, un general revolucionario que se prenda de su belleza y la saca de ese lugar. Pero los infortunios de Margarita no terminan ya que Juan es en realidad un impostor.

Duración: 97 min.

Spanish with english subtitles.

Considerada una de las mejores actrices de la Época de Oro del Cine Mexicano, Dolores hizo carrera en Hollywood desde la era silente, compartiendo pantalla con Rodolfo Valentino, Mary Pickford y Charles Chaplin. En 1936 fue considerada la segunda mujer más bella de Hollywood, únicamente superada por Greta Garbo. Su trayectoria en Hollywood se truncó cuando fue acusada de comunista en la época de “la cacería de brujas”. Su nombre vuelve a elevarse internacionalmente cuando en los años 40’s regresa a México a trabajar bajo la dirección de Emilio “Indio” Fernández.

Miércoles 25 de agosto

17:00 hrs.

Barbara Stanwyck: Mujer mortal.

“Doble indemnización” (Double Indemnity)

Estados Unidos, 1944.

Dirección: Billy Wilder.

Intérpretes: Barbara Stanwyck y Fred MacMurray.

Walter Neff es un vendedor de seguros que, junto a Phyllis Dietrichson (Barbara Stanwyck), realiza un plan para asesinar al marido de ésta y quedarse con el dinero de su seguro. Obra cumbre del género y uno de los ejercicios del suspenso más fascinantes de todos los tiempos.

Duración: 107 min.

Aunque su belleza no era tan deslumbrante como la de otras actrices en Hollywood, Stanwyck pudo interpretar a algunas de las mujeres fatales más importantes de la época. Tiene el mérito de haber interpretado al primer personaje abiertamente lésbico en la historia del cine.

Jueves 26 de agosto

17:00 hrs.

Joan Crawford: La devoradora.

“Mildred Pierce”

Estados Unidos, 1945.

Dirección: Michael Curtiz.

Intérpretes: Joan Crawford y Jack Carson

Sinopsis: Mildred Pierce (Joan Crawford) es una madre de clase media que intenta a cualquier precio subir en el escalafón social con su familia durante la Gran Depresión. Desesperada, con su marido desempleado y perezoso, se separa de él y sale con sus dos hijas, Veda y Ray a buscarse la vida.

Duración: 105 min.

Crawford se especializó interpretando mujeres perversas, pese a ser una actriz con un amplio registro dramático. Su fama de devoradora de hombres y mujeres le valió una de las vidas sexuales más escandalosas en Hollywood. Se cuenta que intentó seducir sin éxito a Marilyn Monroe. Bette Davis, su enemiga profesional y personal, declaró de Crawford “Se ha acostado con todas las estrellas de la Metro Goldwyn Mayer, salvo la perra Lassie”. Pese al odio manifiesto entre ambas actrices, en 1962 tuvieron que trabajar juntas en “¿Qué pasó con Baby Jane?”.

Viernes 27 de agosto

17:00 hrs.

Lana Turner: La chica del sweater.

“El cartero llama dos veces” (The postman always ring twice)

Estados Unidos, 1946.

Dirección: Tay Garnett.

Intérpretes: Lana Turner y John Garfield.

Sinopsis: Durante la Gran Depresión Frank Chambers, un hombre sin rumbo, comienza a trabajar en un café de carretera, regentado por un hombre mayor y por Cora (Lana Turner), su joven, bella e infeliz esposa. Esta joya del cine negro catapultó la fama de Lana Turner.

Duración: 113 min.

Turner fue apodada “La chica del sweater” por usar dichas prendas de forma tan ajustada que resaltaban su estilizada figura. Fue uno de los mayores sex simbols de los años 40 y se popularizó en los tabloides por su inestable vida amorosa.

Sábado 28 de agosto

17:00 hrs.

Rita Hayworth: El mito erótico.

“Gilda”

Estados Unidos, 1946.

Dirección: Charles Vidor.

Intérpretes: Rita Hayworth y Glenn Ford.

Sinopsis: Johnny Farrell, un aventurero que vive de hacer trampas en el juego, saca de un apuro un hombre llamado Ballin Mundson, propietario de un lujoso casino. El recién llegado termina convirtiéndose en el individuo de confianza de su anfitrión. Un día, su superior le presenta a su esposa, Gilda (Rita Hayworth).

Duración: 110 min.

Una canción, un guante y una bofetada fueron suficientes para que Hayworth se convirtiera en uno de los mitos erótico más importantes de la época dorada de Hollywood. La imagen de Rita se colocó en una bomba atómica de prueba que Estados Unidos lanzó sobre las Islas Bikini, este hecho indignó profundamente a la actriz.

Sábado 28 de agosto

20:00 hrs.

Ava Gardner: El animal más bello del mundo.

“Los asesinos” (The killers)

Estados Unidos, 1946.

Dirección: Robert Siodmak.

Intérpretes: Ava Gardner y Burt Lancaster.

Sinopsis: El sueco Anderson, boxeador sin futuro, se involucra con Kitty Collins (Ava Gardner), y se une a una banda delictiva para robar una fábrica. En medio de traiciones y mentiras, Anderson se queda con los más de 250 mil dólares del botín en complicidad con Kitty.

Duración: 105 min.

Por su gran atractivo físico, Ava Gardner fue calificada, por la publicidad de su estudio, como “El animal más bello del mundo”, la actriz odiaba dicho slogan. Sus mejores atributos son su exuberancia y su asombrosa fotogenia.

Domingo 29 de agosto

17:00 hrs.

María Félix: La Doña.

“Enamorada”

México, 1946.

Dirección: Emilio Fernández.

Intérpretes: María Félix y Pedro Armendáriz.

Sinopsis: En tiempos de la revolución, las tropas zapatistas del general José Juan Reyes toman la tranquila y conservadora ciudad de Cholula. Mientras confisca los bienes de los ricos del pueblo, el general Reyes se enamora de la bella, rica e indomable Beatriz Peñafiel (María Félix), hija del hombre más notable de Cholula.

Duración: 93 min.

Spanish with english subtitles.

María Félix es uno de los más grandes mitos del cine mexicano. Conocida como “La Doña”, esta diva se dio el lujo de despreciar a Hollywood y trabajar en Europa, compartiendo créditos con actores como Yves Montand; siendo dirigida además por prestigiados realizadores como Luis Buñuel y Jean Renoir. En 1952 protagonizó “Mesallina”, hasta ese momento, la cinta más cara en la historia del cine italiano.

Miércoles 1 de septiembre

17:00 hrs.

Gloria Swamson: La diosa en el crepúsculo.

“Sunset Boulevard”

Estados Unidos, 1950.

Dirección: Billy Wilder.

Intérpretes: Gloria Swamson, William Holden y Erich von Stroheim.

Sinopsis: Norma Desmond (Gloria Swamson) es una actriz retirada que fue famosa en el cine silente. Obsesionada con recuperar su fama, escribe el guión de una película que la regrese a la farándula. Por equivocación, un guionista llega a su vieja mansión.

Duración: 115 min.

Gloria Swamson fue una gran estrella de la era silente que, tras un largo retiro, recupera fama gracias a “Sunset Boulevard”. El proyecto fue ofrecido a otras actrices que lo rechazaron, entre ellas Mary Pickford, por considerarlo ofensivo para una estrella retirada. Swamson fue nominada al Oscar por Mejor Actriz gracias a esta película y fue tanto su éxito que Barbara Stanwyck se inclinó para besarle el vestido en señal de admiración.

Jueves 2 de septiembre

17:00 hrs.

Ingrid Bergman: La mujer que vino de las nieves.

“Stromboli”

Italia, 1950.

Dirección: Roberto Rossellini.

Intérpretes: Ingrid Bergman y Mario Vitale.

Sinopsis: Para poder escapar de un campo de concentración, Karin (Ingrid Bergman), una mujer desesperada, acepta casarse con un pescador de una pequeña isla llamada Stromboli. Pero su vida en la isla se vuelve una nueva condena.

Duración: 107 min.

Tras protagonizar varias cintas en su natal Suecia, Ingrid Bergman alcanzó fama en Estados Unidos gracias a “Casablanca”. En 1949 viaja a Italia para trabajar con el director Roberto Rossellini en “Stromboli”. Un romance extramarital con Rossellini provoca un escándalo en Hollywood y es declarada persona no grata en territorio americano. Regresa a Hollywood hasta 1958, alternando sus trabajos en Europa.

Viernes 3 de septiembre

17:00 hrs.

Anne Baxter: Veneno cándido.

“La malvada” (All about Eve)

Estados Unidos, 1950.

Dirección: Joseph L. Mankiewicz.

Intérpretes: Anne Baxter y Bette Davis.

Sinopsis: Eve (Anne Baxter) es una ferviente admiradora de Margo, una actriz de teatro. Conmovida por su candidez, Margo contrata a Eve como asistente. Lo que Margo no se imagina es que su mayor admiradora esconde perversas intenciones.

Duración: 138 min.

Anne Baxter creció en medio del lujo y la sofisticación de Nueva York gracias a la buena posición económica de su padre. Estudió teatro desde los 10 años de edad con maestros particulares. Baxter es una referencia obligada en el cine de Hollywood de los años 40 y 50. “All about Eve” es uno de sus trabajos más representativos pues la candidez de su rostro le permitió interpretar a la perfección a una mujer falsa e hipócrita.

Sábado 4 de septiembre

17:00 hrs.

Vivien Leigh: La belleza que llegó con el viento.

“Un tranvía llamado deseo” (A streetcar named desire)

Estados Unidos, 1951.

Dirección: Elia Kazan.

Intérpretes: Vivien Leigh y Marlon Brando.

Sinopsis: Blanche, una mujer madura y anclada en el pasado, visita a su hermana Stella y a su marido que viven en Nueva Orleans. Su actitud remilgada y arrogante, que esconde un escabroso pasado, creará conflictos en la joven pareja, y a ella la llevará a la locura.

Duración: 122 min.

Vivien Leigh saltó a la fama con “Lo que el viento se llevó”, su trabajo le hizo merecedora del Oscar y la inmortalizó. Es conocida su pésima relación con Clark Gable durante el rodaje y su obsesión por ocultar su único defecto físico: sus grandes manos.

Sábado 4 de septiembre

20:00 hrs.

Marilyn Monroe: El mito.

“Niagara”

Estados Unidos, 1953.

Dirección: Henry Hathaway.

Intérpretes: Marilyn Monroe y Joseph Cotten.

Sinopsis: Unos recién casados, en viaje de luna de miel, alquilan una casa en un complejo turístico muy cercano a las cataratas de Niágara. Allí conocen a Rose (Marilyn Monroe), una extraña y bella mujer, casada con un alcohólico que la acusa de ser infiel. Los viajeros se compadecen de Rose, sin pensar que tal vez las cosas no son lo que parece.

Duración: 89 min.

Norma Jean Baker mejor conocida como Marilyn Monroe es quizá el mito femenino más popular en la historia del cine. Su misteriosa y temprana muerte envolvió su biografía en un halo de misticismo. De espectacular belleza, curvilínea figura y cintura diminuta, Monroe alcanzó fama gracias a sus comedias musicales aunque también se interesó en papeles más dramáticos. Preocupada por no ser únicamente una cara bonita, Marilyn tomaba clases nocturnas de historia del arte, teatro y literatura. El esfuerzo le llevó a ganar un Globo de Oro en 1962 y un premio en Italia por “El príncipe y la corista”. Entre sus escándalos figuran el romance con el presidente John F. Keneddy, y su affaire con el actor Yves Montand mientras este último era esposo de otra diva, la francesa Simone Signoret.

Domingo 5 de septiembre

17:00 hrs.

Anna Magnani: La musa neorrealista.

“La rosa tatuada”

Estados Unidos, 1955.

Dirección: Daniel Mann.

Intérpretes: Anna Magnani y Burt Lancaster.

Sinopsis: Serafina delle Rose (Anna Magnani), una apasionada mujer de origen siciliano, vive atormentada ante la idea de ser infiel a su marido ya fallecido. Un día conoce a un rudo camionero y su vida cambia.

Duración: 117 min.

Conocida popularmente como “La Magnani” o simplemente “Nannarella”, es una de las más grandes actrices de la posguerra. Se internacionalizó por sus trabajos en filmes neorrealistas bajo la dirección de Roberto Rossellinni y Luchino Visconti. “La rosa tatuada” es su primera cinta en Hollywood y le hizo ganar el Globo de Oro y el Oscar a Mejor Actriz. Enamorada de Rossellini, Magnani padeció cuando este le abandona por Ingrid Bergman. Tennessee Williams dijo de ella "Nunca vi una mujer más hermosa, de ojos tan grandes y piel como el jabón Devonshire"^.

Miércoles 8 de septiembre

17:00 hrs.

Kim Novak: Mujer de ojos misteriosos.

“Picnic”

Estados Unidos, 1955.

Dirección: Joshua Logan.

Intérpretes: Kim Novak, William Holden.

Sinopsis: Hal Carter, hombre vago y aventurero, decide sentar la cabeza y busca un trabajo en un pequeño pueblo de Kansas. En el picnic que se celebra con motivo del día del trabajo, Hal queda prendado de la encantadora Magde Dwens (Kim Novak).

Duración: 115 min.

Su verdadero nombre era Marilyn pero los estudios que la contrataron querían evitar comparaciones con Monroe; sin embargo pudo conservar su apellido real. Kim Novak se destacó por la expresividad de sus ojos. Se decía que Novak era muy insegura y obligaba a los directores a repetir varias veces una misma toma a fin de encontrar su mejor ángulo. Son famosas sus desavenencias con Alfred Hitchcock en el rodaje “Vertigo”, y su pleito con Kirk Douglas cuando Novak quiso darle sugerencias para actuar.

Jueves 9 de septiembre

17:00 hrs.

Grace Kelly: Glamour y realeza.

“Para atrapar al ladrón” (To catch a thief)

Estados Unidos, 1955.

Dirección: Alfred Hitchcock.

Intérpretes: Grace Kelly y Cary Grant.

Sinopsis: John Robie es un famoso ladrón de joyas llamado “El gato” que se ha reformado alejándose de la vida criminal. Nuevos atracos suceden utilizando el mismo modus operandi y John es acusado injustamente. Cuando conoce a la caprichosa heredera Frances Stevens (Grace Kelly), ve la oportunidad de desenmascarar al misterioso ladrón utilizando como cebo las fabulosas joyas de su madre.

Duración: 106 min.

Grace Kelly fue la musa predilecta de Alfred Hitchcock. Proveniente de una adinerada familia de Pennsylvania, Kelly estudió arte dramático y modelaje. Su breve pero exitosa carrera fílmica concluyó al casarse con el Príncipe Rainiero a quien conoció en un Festival de Cannes.

Viernes 10 de septiembre

17:00 hrs.

Lauren Bacall: La mirada.

“Escrito sobre el viento” (Written on the wind)

Estados Unidos, 1956.

Dirección: Douglas Sirk.

Intérpretes: Lauren Bacall y Rock Hudson.

Sinopsis: La relación del hijo de un rico magnate del petróleo, con su mejor amigo, de origen humilde, se torna tempestuosa cuando ambos se enamoran de la misma mujer (Lauren Bacall). Historia de amores, celos y pasiones desatadas; de amistad y renuncia; de deseo, frustraciones y fracaso.

Duración: 99 min.

Apodada como “The look” (La mirada). Lauren Bacall trabajó como modelo en importantes revistas antes de dedicarse al cine. Protagonizó con su esposo, Humphrey Bogart, clásicos del cine negro que la lanzaron a la fama. El tono sensual de su voz, su porte, elegancia y el encanto de su sonrisa hicieron de Bacall una de las divas más bellas de Hollywood.

Sábado 11 de septiembre

17:00 hrs.

Simone Signoret: La literata.

“Un lugar en la cumbre” (A room at the top)

Reino Unido, 1956.

Dirección: Jack Clayton.

Intérpretes: Simone Signoret y Laurence Harvey.

Sinopsis: Joe Lampton es un joven ambicioso que quiere llegar muy alto en la vida. Después de aceptar el trabajo de contable en un pequeño pueblo del norte de Inglaterra, se da cuenta que se puede aprovechar del amor de Susan, la hija del hombre más rico y poderoso de Warnley. Pero Joe se siente atraído por Alice (Simone Signoret), una mujer madura aburrida de la vida del pueblo.

Duración: 115 min.

La francesa Simone Signoret fue una de las primeras divas en dedicarse a causas humanitarias y al activismo social. Escribió su autobiografía “La nostalgia ya no es lo que era”, sorprendiendo por su perfecto uso del lenguaje. A los críticos literarios les costaba creer que una actriz poseyera tal dominio del idioma y capacidad de análisis. Tras fuertes acusaciones de que alguien escribía por ella, la actriz demandó ante los tribunales y ganó. Como revancha escribió un segundo tomo de memorias. Posteriormente se adentró en el género de la novela, seduciendo a la crítica especializada.

Sábado 11 de septiembre

20:00 hrs.

Brigitte Bardot: El mito sexual.

“Y dios creó a la mujer” (Et dieu créa la femme)

Francia, 1956.

Dirección: Roger Vadim.

Intérpretes: Brigitte Bardot y Jean Louis Trintignant.

Sinopsis: Juliete Hardy (Brigitte Bardot) es una huérfana de 18 años y ninfómana que es adoptada por una familia con tres atractivos hijos. Su belleza parece volver locos a los personajes masculinos.

Duración: 95 min.

Conocida como B.B., Bardot es considerada la personificación del mito erótico francés de los años 50 y 60. Su belleza aunada a su personalidad aniñada la convirtieron en objeto de fascinación de millones de espectadores en todo el mundo.

Domingo 12 de septiembre

17:00 hrs.

Jeanne Moreau: La señora de la Nueva Ola.

“Ascensor para el cadalso” (Ascenseur pour l'Echafaud)

Francia, 1957.

Dirección: Louis Malle.

Intérpretes: Jeanne Moreau y Maurice Ronet.

Sinopsis: Julien Tavernier, héroe de la guerra de Indochina, trabaja para el industrial Simon Carala, y es el amante de su esposa, Florence (Jeanne Moreau). Para poder vivir con ella, los amantes deciden matar al marido, haciendo que parezca un suicidio, pero surge un imprevisto.

Duración: 92 min.

Jeanne Moreau encarnó, con su apariencia de mujer experimentada, su voz grave y su indudable inteligencia, a la heroína auténticamente moderna, erótica y cerebral. Sirvió de inspiración para los jóvenes realizadores de la Nueva Ola Francesa gracias a su elegancia, sofisticación y cosmopolitismo. En la madurez de su carrera mantuvo su fascinación por las propuestas vanguardistas, accediendo a interpretar personajes desafiantes como en “Querelle” (1982) de Fassbinder.

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Este programa es una revisión de las divas más importantes en el cine internacional a lo largo de tres décadas (30’s, 40’s y 50’s). Estas fechas resultan fundamentales para entender el sistema de estrellas en Hollywood; que consiste en mitificar a un intérprete hasta convertirlo en el elemento vendible de cualquier producción cinematográfica.

Para definir a una diva fue necesario identificar ciertos elementos en las carreras fílmicas de las actrices. Algunas fueron muy fáciles de hallar por su fuerza mítica y la veneración que aún generan sobre los espectadores, otras por sus biografías de glamur o extravagancia. Sin embargo, el punto de unión de las 27 figuras que integran la muestra es el éxito de sus trayectorias: ya sea por el talento histriónico o por su capacidad para vincularse profesionalmente con las personalidades más talentosas del momento. El divismo es en gran medida misticismo, fascinación y encanto, pero también es inteligencia, preparación y reconocimiento profesional.

Una diva es capaz de romper esquemas sociales como Mae West, tirar tabúes sexuales como Marlene Dietrich y Brigitte Bardot, imponer transformaciones en la moda como Jean Harlow y Veronica Lake, seducir a la pantalla como Ingrid Bergman y Dolores del Río, hacer brillar a una productora como Norma Shearer, o hasta deslumbrar intelectualmente como Simone Signoret.

Hay muchos tipos de divas: las de talento legendario (Bette Davis, Anna Magnani, Joan Crawford, Anne Baxter y Katharine Hepburn), las que son mito (María Felix, Greta Garbo y Marilyn Monroe), aquellas que asumen retos actorales (Barbara Stanwyck, Gloria Swamson y Jeanne Moreau), las que glorifican el erotismo y la sexualidad (Lana Turner, Rita Hayworth y Ava Gardner) y las de cautivante belleza (Grace Kelly, Vivien Leigh, Lauren Bacall y Kim Novak).

Esta bufete de estrellas no hubiese sido posible sin la asesoría del investigador y dramaturgo Fernando Muñoz Castillo y del periodista Gerardo Martínez de Galería Tataya. Sin ellos, este ciclo aún seguiría siendo una idea.

Aarón Rosette

Coordinador de Ciclos de Cine

tolerar, tolerancia, ¿toleramos?, reflexiones acerca de algunos hechos.

2010-07-21T11:02:00.001-07:00

Comenzaré esta nota aclarando que ni de mi mismo soy santo de Devoción. Soy humano, lleno de complejos, dudas, que deseo llenar considerablemente y de vida, si en ella traducimos el amor, la amistad y las buenas intenciones, de las cuales estamos hechos si de humanidad hablamos. A raíz de algunos sucesos, que yo los traduzco como ataques y que de hecho así son, debo establecer algunas aclaratorias para evitar subsecuentes malos entendidos en algunos ámbitos que camino y recorro a lo largo de mi vida.

Vivo en la ciudad de Mérida, Yucatán, México y al llegar a ésta percibí que si bien la ciudad poseía fundamentados espacios culturales, en ellos faltaba acción y propuestas para que estos evolucionaran. Me di a la tarea, como periodista y promotor cultural que soy, de convocar, conversar, dar sin solicito alguno, pautas para mejorar algunas rupturas que crecían, y crecen, en descontrol. Cierto que nadie me pidió la ayuda ni nada; mas sin embargo si viviré en este entorno porque no ayudar a mejorarlo. Así que tomé riendas en el asunto. Junto con mi pareja creamos una galería de arte, que en tan solo 3 años se ha establecido como un punto prestigioso y reconocido no solo por las demás empresas privadas sino por las oficinas públicas que aguardan de nuestra parte la siempre bien recibida orientación y pauta.

Nuestra reputación queda pues demostrada no solo en el factor colaboración sino en el de acción, mucho más importante que el anterior. Cierto que crear modelos evolutivos genera resquemores y celos, sobre todo en una ciudad que abriga pasados como quien lleva en su pecho la llave a un tesoro escondido. Los ataques han sido numerosos y no por ello hemos bajado la cabeza ni hemos dejado de dar discernimiento, a través de nuestros blogs, como el del asesoramiento gratuito a profesionales y estudiantes.

Hace apenas unas semanas en la ciudad de Mérida se llevó a cabo un evento sui generis para promocionar, como plataforma, la lucha y el conocimiento de las diversidades sexuales que conviven en el estado de Yucatán. El mismo, bautizado “Magnitud Rosa” nació del fruto de muchas mentes y praxis y se apoyó en el inmenso caudal de ayuda que el Instituto de Cultura de Yucatán otorgó no solo en espacios físicos sino en acciones. Sin embargo todo, absolutamente todo fue un brindis de colaboraciones y regalos que una sociedad como lo es la yucateca dio. El papeleo, el cine, las ponencias, los performances, las lecturas de poemas fue concedido con la fruición del que sabe que esta cultivando un jardín y que logrará sus frutos. Es por ello que debemos, los que colaboramos e hicimos posible la eventualidad que proseguirá, darle un aplauso al público que humildemente colaboró, sin dobleces ni pedir nada a cambio, con el proyecto.

A bocas parlanchinas y oídos encerados por el miedo y el chantaje se le deben pedir pruebas y así, si existen fallas, sean manifestadas, no a través de acciones y acusaciones hechas sin infundio en discos, bares con un golpe seco de licor y droga. Las cosas que se han tratado de indagar acerca de Magnitud Rosa deben ser ventiladas y demostradas en público con pruebas y si las hay o existen serán tomadas en cuenta para corregir.

Por otro lado es fundamental determinar que las redes sociales nacen para los buenos contactos de amistad y los excelentes tratos profesionales, demás está decir que en el Facebook, plataforma que alguna vez me infundo miedo, me he reconciliado con un bello pasado y con un excelente futuro. Los amigos han vuelto, los nuevos han llegado y entre todos ellos tuve la suerte, a través de mi amigo escritor Daniel Torres, de conocer un extraordinario grupo llamado HOMOEROTIKA, cuya propuesta de difusión cultural es excelente y va más allá del simple hecho de una literatura enmarcada en la sexualidad en una sociedad donde todos estamos y vivimos. Fue justamente Ángel Antonio, entre otros, y su grupo quien dio base para crear Magnitud Rosa.

Conocido es que no puede como cronista dejar de opinar y colocar una que otra línea de saberes y decires en blogs y redes sociales. A lo cual una que otra vez se me respondió y a la cual un día un personaje se auto invitó a ser “amigo virtual”, cosa que ahora tendré mucho cuidado en implantar. Este personaje, parecido mas a un espía comenzó a preguntar detalles de vida por el correo interno del Facebook, yo contesté sin mirar mas allá. Sin embargo creyendo en la libre expresión y dejando lugar a todos mis amigos, familiares, directos y virtuales dejó que mi “feis” sea una plataforma donde todos, absolutamente todos coloquen cosas. Coincidió que un día alguien posteo los logros que nuestra orquesta sinfónica juvenil de Venezuela adquiría en Washington, hecho, que a su vez, coincidió con la salida, por pagos tributarios atrasados, de la televisora venezolana llamada Radio Caracas TV, mi “feis” hizo ebullición en dimes y diretes de unos y de otros, sin embargo uno me dolió, aun sigue molestando, y era de este siniestro ser que indicaba que el pueblo venezolano era un inculto y un pueblo tonto que no había podido expulsar al tirano. Yo le indiqué que leyera Medios alternativos para que se hiciera cargo de una presencia objetiva ante los sucesos y me respondió que en mi país nada era de fiar.

Que yo sepa no intervengo en la actitud política o social de ningún país, sean estos pequeños, grandes, medianos o islas sujetas a componendas histórico políticas que aseveran una fuerte revisión de las mismas. Me gusta observar, cuestionar y replantearme los hechos históricos, sin embargo que llevó a este señor a criticar, manipular y gritar acerca de mi persona y país. .. Me lo pregunto y las únicas 2 respuestas son o una severa psicopatología en su cabeza o una serie de investigaciones hechas para algún organismo tenebroso y obscuro de seguridad de esos que abundan hoy en día por todo el continente americano.

Viendo el doble discurso de este señor me atreví a poner en duda su cuestionamiento en un post del feis de Ángel y obtuve, de nuevo, una sarta de improperios y de ataques. Sin embargo señor, sin nombre, no sé de mala vida, no dañe a nada ni a nadie, que la vida ahí está delante de nosotros y continua en su fluir, corre, y continua otra vez.

Atentamente

Gerardo Martínez.

el Big Bang de BLU

2010-07-13T13:42:00.000-07:00

BIG BANG BIG BOOM - the new wall-painted animation by BLU from blu on Vimeo.

La diva primigenia:

2010-07-02T13:21:00.000-07:00

De las sombras negras y sus manchas de blanco

Si Sarah Bernhardt fue escogida para recrear, en el cine, a las heroínas que entretenían a los obreros a las salidas de las fábricas, allá en 1908, tan atrás como los últimos recuerdos de bisabuelos, fue no solo porque era de una belleza subyugante sino porque ella era un atractivo, era una mirada que cubría las debilidades masculinas ante este sexo fuerte: era la mujer.

Y es que si el cine nació del movimiento de varias fotos estáticas, también germinó porque había un tema y en él la mujer era designio, destino y acierto primario que nos sobreseía de un mundo y nos trasladaba a un entorno mítico que nos hacia y hace soñar.

Detrás de todo el cine hay siempre un punto focal, una entidad en evolución y esta unidad, en el cual se mueve, es la mujer. Desde sus orígenes, el cine puso sus ojos, por no decir las cámaras y todo el aparato de producción, en la hembra. Si él nació, con él nació ella. George Melies por ejemplo edificó fabulas con la Luna, ese astro celeste y femenino que maravillosamente atraía aventureros a sus tierras desconocidas y hablando en términos semánticos era un objeto sexual penetrado por cohetes, además lo hace por el ojo, que observa y nos mira y ella a pesar de sus lagrimas les acoge porque detrás les soltará, en furia y mito, los demonios para que destruyan a los varones en su insolencia.

Lo femenino atrae y por ellos es que el cine nació dando origen a la mujer que hechizaba. Nacía la diva, le femme, la fatale que arrasa con todo y aun de las cenizas sale como un ave fénix a seguir emborrachándonos de placer y si por alguna patraña de la historia, la heroína, vampiresa, ha de morir, entonces toda la saña de la naturaleza y el destino debe caer sobre los machos y como una plaga hacerles pagar por el pecado de haber terminado con su condición: la seducción.

Las primeras décadas del cine estuvieron marcadas por mujeres que iban como unas sombras blancas caminando en un mar de petróleo donde nadaban hombres desprovistos de armas ante tanta belleza, picardía o planes perversos. Así vimos a una Theodosia Burr Goodman se que se convirtió en la primera estrella prefabricada por unos estudios cinematográficos, que explotaron su imagen de vampiresa y le cambiaron el nombre a Theda Bara, anagrama de Arab Death (muerte árabe). Sin embargo, los primeros pasos de diva, los dio Francesca Bertini quien arrastra por un abismo de pasión a padre é hijo en “La Dama de las Camelias”, de Alejandro Dumas, no sin antes luchar contra su mejor postor: un ángel que también puede ser femenino: la muerte.

Y es que todas ellas desde aquel entonces hasta nuestros días han llevado ese estigma: la defunción como parte mágica de arrastrar al otro, en este caso el ser masculino, a los océanos prohibidos de los placeres ocultos. George Wilhelm Pabst (Bohemia, hoy República Checa. 1885), quizá uno de los mejores directores cinematográficos de la era silente, lo sabía muy bien y es por ellos que, en planos muy obscuros, sus mujeres se deslizan llenas de inocencia mortal, envenenando almas, disparando mentiras, congelando vidas. Nacían las diosas del celuloide, enmarcadas en los dramas psicológicos con ribetes de fatalidad y tensión sexual; nacía por ende un esquema que llenaba las pantallas y nos llevaba como rebaños a ver el matadero.

Esa fue la primera etapa del divismo confeccionado y donde se establecieron las reglas del juego. Hoy viene a nosotros y es un ciclo que debe ser estudiado más que mirado, analizado más que observado.

Disfrútenlo.

Gerardo Martínez

Divas, vamps y femme fatales

2010-07-02T13:02:00.000-07:00

Parte 1. Cine silente

Del 3 al 18 de julio de 2010

Cineteca Nacional “Manuel Barbachano Ponce” del Teatro Mérida

20:00 hrs. ENTRADA LIBRE

3 de julio

Francesca Bertini

“La dama de las camelias” (Signora delle camelie)

(Italia, 1915)

Dirección: Baldassarre Negroni y Gustavo Serena.

Intérpretes: Francesca Bertini, Hesperia, Gustavo Serena.

Sinopsis: El concepto de “diva” proviene del cine silente italiano previo a la Primera Guerra Mundial. Francesca Bertini es la más destacada de esas primeras divas, se convirtió en una estrella popular internacionalmente, y las mujeres de todo el mundo trataban de imitar su sofisticación. En 1915 ganó 175 000 dólares, lo cual fue un récord en su época. “La dama de las camelias” es la conocida historia de Dumas sobre la cortesana tuberculosa y su redención postrera mediante el único vehículo posible, el amor.

Duración: 53 min.

4 de julio

Theda Bara

“A fool there was”

(Estados Unidos, 1915)

Dirección: Frank Powell.

Intérpretes: Theda Bara, Edward José y Mabel Frenyear.

Sinopsis: Theda Bara es considerada uno de los primeros símbolos sexuales en la historia del cine. En este filme interpreta a una vampiresa que seduce al abogado John Schuyler afectando su matrimonio. Theda Bara es la primera estrella prefabricada por unos estudios cinematográficos, que explotaron su imagen de vamp, le inventaron un nombre y hasta su biografía.

Duración: 67 min.

10 de julio

Pola Negri

“Una noche en Arabia” (Sumurun)

(Alemania, 1920)

Dirección: Ernst Lubitsch.

Intérpretes: Pola Negri, Ernst Lubitsch y Paul Wegener.

Sinopsis: Yeggar, un payaso jorobado, director de un espectáculo ambulante, se enamora de una de las bailarinas. Ella cede a sus deseos, pero también le es infiel. Basada en la pantomima teatral creada por Max Reinhardt, es un nuevo acercamiento al ambiente de cuento de hadas en parajes exóticos.

Duración: 103 min.

11 de julio

Mary Pickford

“Pollyanna”

(Estados Unidos, 1920)

Dirección: Paul Powell.

Intérpretes: Mary Pickford, Katherine Griffith y Wharton James.

Sinopsis: Cuando se queda huérfana Pollyanna, la envían a vivir con su tia Polly. Pollyanna descubre que las gentes en esa ciudad de Nueva Inglaterra son muy poco felices, así como su tía. Pero el optimismo incurable de Pollyanna - ejemplificado por su juego alegre, en el que ella busca el lado positivo de cada situación - traerá un cambio a la vieja comunidad. Pickford fue la primera actriz en recibir un alto sueldo en Hollywood. Se especializó en papeles de chica ingenua y romántica.

Duración: 58 min.

17 de julio

Clara Bow

“It”

(Estados Unidos, 1927)

Dirección: Clarence Badger.

Intérpretes: Clara Bow, Antonio Moreno y William Austin.

Sinopsis: Clara Bow es apodada “Chica It” a partir del gran éxito de esta película. Su imagen de desinhibida “devorahombres” le ocasionó muchos problemas dentro de Hollywood, pero también la hizo trascender por su desprejuiciado encanto. En “It” Bow interpreta a Betty Lou, una vendedora de una tienda departamental que aspira a conquistar al dueño, un playboy llamado Cyrus Waltham.

Duración: 72 min.

18 de julio

Louise Brooks

“Lulú. La caja de Pandora” (Die Büchse der Pandora)

(Alemania, 1929)

Dirección: Georg Wilhelm Pabst.

Intérpretes: Louise Brooks, Fritz Kortner, Carl Goetz, Francis Lederer.

Sinopsis: Lulú es una mujer magnética y hechizante que hace que todas las personas que la rodean caigan rendidas ante su encanto. Enamorarse de Lulú es condenarse a la perdición. Pabst representa a la femme fatale con cierta ambigüedad que nos hace dudar si Lulú es una mujer que se aprovecha de su belleza o no es consciente de ella y son los demás los que se aprovechan.

Duración: 133 min.

“El pavoroso cine de Mario Bava”

2010-06-04T10:00:00.000-07:00

Del 5 al 27 de junio de 2010

5 y 6 de junio

“La máscara del demonio” (La maschera del demonio)

(Italia, 1960)

Intérpretes: Barbara Steele (Katia Vajda), John Richardson (Dr. Andre Gorobec), Ivo Garrani (Príncipe Vajda).

Sinopsis: en la Edad Media, los acusados de brujería son ejecutados inquisitorialmente -antes de quemarlos en la hoguera- mediante una máscara con púas que se les clava en el rostro. Dos siglos después, la curiosidad de unos viajeros devolverán la vida a dos condenados: Asa y su amante, que sembrarán el terror en la comarca, con ansia de vengar sus muertes.

Duración: 87 min.

10 y 11 de junio

“Las tres caras del miedo” (Tre volti della paura)

(Italia-Francia-Estados Unidos, 1963)

Intérpretes: Boris Karloff (narrador), Michèle Mercier (Rosy), Jacqueline Pierreux (Helen Chester).

Sinopsis: tres historias de horror narradas por Boris Karloff: en la primera, una mujer es acosada por misteriosas llamadas telefónicas. En la segunda, un viajero por las estepas rusas llega a una casa aislada en la nieve, donde sus moradores temen el ataque de los “Wurdalaks”. En la tercera, una enfermera roba un anillo a una paciente cuando esta fallece, pero la muerta vuelve de ultratumba para vengarse.

Duración: 92 min.

12 y 13 de junio

“El cuerpo y el látigo” (La frusta e il corpo)

(Italia-Francia, 1963)

Intérpretes: Christopher Lee (Kurt Menliff), Daliah Lavi (Nevenka Menliff), Tony Kendall (Christian Menliff).

Sinopsis: Kurt Menliff regresa al castillo familiar después de haber sido repudiado tras seducir a la hija de la doncella -la joven se suicidó al ser abandonada-. Kurt se encuentra con que su padre le ha desheredado y su hermano Christian se ha casado con su antigua amante Nevenka. Además, la doncella le acusa de haber provocado la muerte de su hija y le vaticina que morirá algún día bajo el mismo puñal con el que se suicidó. Mario Bava filmó esta película bajo en el pseudónimo de John M. Old.

Duración: 91 min.

18 y 19 de junio

“Seis mujeres para el asesino” (Sei donne per l’assassino)

(Italia-Francia-Alemania, 1964)

Intérpretes: Cameron Mitchell (Max Marian), Eva Bartok (Condesa Cristina), Thomas Reiner (Inspector Silvester).

Sinopsis: el salón de moda, organizado por Cristina y su amante Max, es un lugar de lujuria, tráfico de cocaína y chantaje, donde una serie de jóvenes modelos son asesinadas de forma salvaje. Parece cada vez más claro que todas las víctimas tienen un pasado muy turbio y, poco a poco, sus secretos se verán revelados a través de un diario dejado por una de las modelos asesinadas.

Duración: 88 min.

19 y 20 de junio

“Kill baby, kill” (Operazione paura)

(Italia, 1966)

Intérpretes: Giacomo Rossi-Stuart (Dr. Paul Eswai), Erika Blanc (Monica Schuftan), Fabienne Dali (Ruth).

Sinopsis: una mujer corre aterrorizada y finalmente se lanza contra una reja puntiaguda. Poco después, a la región llega un médico -requerido por el comisario que efectúa la investigación de esa muerte- para realizar la autopsia al cadáver y comprobar el motivo de la defunción. Pronto, el doctor descubre el miedo que asalta a todos los habitantes del pueblo, aterrorizados por la maldición del espectro de una niña.

Duración: 85 min.

24 y 25 de junio

“Diabolik”

(Italia-Francia, 1968)

Intérpretes: John Phillip Law (Diabolik), Marisa Mell (Eva Kant), Michell Piccoli (Inspector Ginko).

Sinopsis: Diabolik, atractivo y educado ladrón de una época muy sicodélica, no está contento con todas las cosas buenas –y brillantes- que le da la vida. Menos aún cuando existen montañas de dinero que robar y joyas valiosas que extraer de los cajones de los millonarios. Este esquivo canalla encuentra las más diversas maneras de vivir siempre al límite en esta genial e irresistible adaptación de una historieta del mismo nombre. Producida por Dino De Laurentiis y con música de Ennio Morricone.

Duración: 105 min.

26 y 27 de junio

“5 muñecas para la luna de agosto” (5 bambole per la luna d’agosto)

(Italia, 1970)

Intérpretes: William Berger (Prof. Fritz Farrell), Ira von Fürstenberg (Trudy Farrell), Edwige Feneche (Marie Chaney).

Sinopsis: George Stark, afamado industrial, reúne en su isla privada a un grupo heterogéneo de personas. Poco a poco, los habitantes del solitario lugar comienzan a ser asesinados.

Duración: 90 min.

Jueves y viernes: Centro de Artes Visuales

Sábados y domingos: Cineteca Nacional “Manuel Barbachano Ponce” del Teatro Mérida

20:00 hrs.

ENTRADA LIBRE

Pánico y Miedo. El Pavoroso mundo cinematográfico de Mario Bava.

2010-06-04T09:50:00.000-07:00

Mario Bava nació predestinado el 31 de julio de 1914, en San Remo, Italia. Dice él, narrando sus propios miedos, que el día en que su madre le dio a luz, su padre Eugenio Bava, un escultor cinematográfico hacia figuras de espantos y aparecidos para una película que se rodaría pronto en la localidad. Las cales, los hiposulfatos y el fuego dieron la bienvenida al director de cine que no solo filmó el desasosiego sino que de él creó un arte.

(con una de sus actrices)

Mario Bava estudió Bellas Artes y a pesar de nunca dejar la pintura, afición a la cual se entregaba cuando no filmaba, hizo estudios para fotografiar, como camarógrafo, su primer trabajo en el cine, los claroscuros del cine de otro grande: Jaques Tourneur. Así también trabajó con Riccardo Freda y su empeño por hacer planos excelentes, bien logrados, lo llevó a ser recompensado por productores del cine italiano quienes vieron en él un genio capaz de desatar las furias del terror.

Dirige su primer film “la Máscara del Diablo”, pieza mítica en la historia del cine de terror italiano, europeo y mundial; además de servir para el descubrimiento de la no menos mítica Bárbara Steele. El éxito vertiginoso le permite trabajar con gente como Boris Karloff (las Tres Caras del Miedo) o Christopher Lee (Ercole al Centro della Terra) en otros films de género de terror, suspenso y magia.

La crítica dijo para el momento que su cine era del tipo “B” movies y que dejaba mucho que desear pues pretendía tintes intelectuales. Los productores siguieron creyendo en él, pues dejaba grandes ingresos de taquilla. Mario Bava alegó, en una entrevista elaborada por la prestigiosa revista francesa “Cahiers du Cinema”, que: “Yo no quería ser director, debido, a que según mi opinión, un director debe ser un verdadero genio; además, me encontraba cómodo en mi labor de camarógrafo, y ganaba un montón de dinero...Como durante ese período, la Hammer lanzó su versión de Drácula, yo pensé que sería agradable dirigir un film de terror”. De allí que sus primeros films fueron emergiendo de este género. “Black Sunday” o “la máscara del demonio”, como se conoció en salas latinoamericanas fue censurada, en escenas tanto en Estados Unidos como en el Reino Unido, pues consideraron que había pasajes satánicos y con presencias ocultas que la hacían una cinta clave para entender elementos del más allá.

Sus aportes al cine amarillista, llamado “Giallo” en italiano, no se hizo esperar; Bava uso elementos de Roger Corman, el gran director Inglés de cine con escasos recursos y de su admirado maestro Alfred Hitchcock, hecho que se evidenciaba en los ritmos, en las puestas en escena, en las miradas de los actores y en los oscuros que caen sobre el espectador como mantos de sombras. Sería a partir de este momento que Bava comenzaría a desarrollar su estilo tan particular, el que lograría fusionar su afición por la pintura con su amor por el cine; utilizando los colores rojo, verde o azul, el director crearía un efecto dramático que le parecía complementar de manera perfecta las atmosféricas escenas de sus trabajos.

Su próximo trabajo sería “Las 3 caras del Miedo”, o “Sábado Negro” (1963). Allí contó con Boris Karloff, como un narrador siniestro que va poniendo en escena las aterrorizantes historias de miedo que conforman la cinta. Las tres historias que parecen salir de enajenaciones mentales, nos narran el miedo perenne a lo desconocido y asimismo las fobias a las cuales no terminamos de acceder y comprender. Se dice que el tercer capítulo de las historias titulado, “The Wurdalak”, es considerado como uno de los mejores relatos cinematográficos acerca del vampirismo.

Mario Bava sugiere en sus films la acción de un miedo sugestivo y que nos acompaña siempre como un ropaje interno, esto queda evidenciado en “Kill, Baby, Kill” (1966), una fantasmagórica fábula acerca de una joven que lleva a un determinado grupo de personas al suicidio.

Mario Bava siguió su carrera entre miles de problemas presupuestarios, dificultades con los productores y con los distribuidores, una lucha silente contra el gran Hollywood que se copiaba sus filmes, como lo hizo con “Bahía de Sangre” (1971) que fue fusilada para hacer “Martes 13” y sus secuelas, entre las cuales podemos decir esta la maravillosa visión de Carpenter en “Halloween”. Sin embargo Mario siguió elaborando el miedo, el misterio y sus dificultades y la locura como un filo donde nuestras vidas se van meciendo hasta caer en alguno de sus dos lados.

Gerardo Martínez

Atlas Subjetivo de México – Yucatán

2010-05-06T10:02:00.000-07:00

Taller multidisciplinario

Del martes 18 al domingo 23 de mayo

Costo del taller / $1,350 pesos (Cupo limitado)

Dónde / ULE – Espacio Cultural / Calle 64 no. 560 x 71 y 73, Barrio La Ermita. Mérida – Yucatán

Inscripciones / 2 85 03 87 y 99 91 20 42 10, euyuc@yahoo.com

www.unasletras.com

*** El día lunes 17 de mayo a las 20 horas, en las instalaciones de ULE-Espacio Cultural, Moniek Driesse dará una plática abierta a todo público para presentar el proyecto “Atlas Subjetivo de México”.

Entrada libre.

El taller, dirigido por Moniek Driesse y Analía Solomonoff, propone abrir un espacio para preguntarnos quiénes somos, dónde vivimos y qué procesos culturales nos definen como mexicanos, como yucatecos. Durante 5 días, a través de ejercicios prácticos, investigación e intercambio de opiniones, cada participante desarrollará un proyecto para construir un “Atlas Subjetivo de México”. Al finalizar el taller se hará una selección de los trabajos más representativos del mismo y estos proyectos se publicarán dentro del libro "Atlas Subjetivo de México".

+ info / atlassubjetivodemexico.wordpress.com

Calendario de trabajo

- Martes 18

De 17 a 21 horas

- Miércoles 19, jueves 20, viernes 21, sábado 22 y domingo 23

De 10 a 14 horas – Estudio abierto*

de 17 a 21 horas – Actividades y mesas de discusión

*Estudio abierto

El taller permanecerá abierto de 10 a 14 horas para que los participantes acudan a trabajar de manera independiente, utilizando el espacio como un “estudio abierto” y, si lo desean, solicitar asesoría a las talleristas.

Invitados especiales

Durante el taller, contaremos con la presencia de dos invitados especiales que no compartirán su trabajo, y con los cuales los participantes podrán dialogar e intercambiar ideas y opiniones.

Clausura del taller

El domingo 23 a las 18 horas se realizará la clausura del taller realizando una exposición de los trabajos realizados. Abierto a todo público. Entrada gratuita

Antecedentes

Desde el año 2003, la diseñadora gráfica holandesa Annelys de Vet, ha editado una serie de publicaciones cuyo contenido es la recopilación de imágenes realizadas por habitantes de diferentes países. Dichas imágenes son “mapeos” de un país, región o entidad política. Un grupo de personas son invitadas a ilustrar-construir, desde su punto de vista, lo que Annelys llama: atlas subjetivo. Este atlas subjetivo se construye a partir de la interpretación que cada participante otorga a elementos tan diversos de la identidad como: la política, la comida, las relaciones interpersonales, la situación social, la cultura, entre otros. La percepción personal es el punto de partida para producir imagines poco convencionales, honestas y humanas. El resultado son visiones “subjetivas” y creativas de las entidades políticas representadas, visiones que se contraponen a las formas expuestas por las enseñanzas tradicionales.

Atlas Subjetivo de México es un taller de trabajo, reflexión y diálogo, dentro del cual

los participantes crearán imágenes que describan, desde su visión personal, su entorno social, político, cultural, imágenes que tracen un mapa visual de México.

Dirigido a

Estudiantes, artistas, diseñadores, arquitectos y todos los interesados en desarrollar un proceso creativo a través de las distintas herramientas del diseño gráfico y las artes visuales.

Material de trabajo

El participante llevará consigo el material técnico que requiera utilizar (cámara fotográfica, laptop, etc.).

Talleristas

Moniek Driesse

Diseñadora Gráfica, estudió en el departamento de Man&Communication de la Academia de Diseño de Eindhoven (Design Academy Eindhoven). Su trabajo se basa en un constante acercamiento analítico y conceptual, en el que diseñar es una acción en respuesta a preguntas, deseos o necesidades de la gente. Recogiendo sus historias y sueños, trabaja en contacto directo con las personas, en donde consigue la principal fuente de formación para ideas creativas. “Me encanta colaborar con gente, porque siento que la cooperación y la interacción pueden causar un flujo enorme de ideas. Cada vez más quiero estar expuesta a nuevas impresiones e impactos, y encontrar soluciones diferentes una y otra vez.”

+ info / www.moniekdriesse.nl

Analía Solomonoff

Diseñadora gráfica, editora y gestora cultural. Actualmente trabaja como Subdirectora de la Sala de Arte Público Siqueiros.

Desde 2005 creó el proyecto LAST un espacio que promueve la creación, producción e intercambio de proyectos independientes de editores, artistas y diseñadores, así como la difusión de los mismos dentro y fuera de México. Un espacio que genera procesos creativos, destacando la importancia de abrir la interrelación entre el creador, la obra y el espectador.

+ info / proyectolast.blogspot.com

ULE presenta

Fotografía e historia: realidades indirectas.

2010-03-11T17:11:00.000-08:00

Por Magno Fernandes dos Reis (caférelax57@yahoo.com.mx)

En una sociedad moderna las imágenes realizadas por las cámaras son la entrada principal a realidades de las que no tenemos vivencia directa. Y se espera que recibamos y registremos una cantidad ilimitada de imágenes acerca de lo que no vivimos directamente. La cámara define lo que permitimos que sea "real"; y sin cesar ensancha los límites de lo real. Se admira a los fotógrafos sobre todo si revelan verdades ocultas de sí mismos o conflictos sociales no cubiertos del todo en sociedades próximas y distantes de donde vive el espectador. (Susan Sontag)

En Brasil, Europa y los Estados Unidos la fotografía destaca en la producción artística contemporánea. ¿Por qué entonces la fotografía y la grafica en el Estado de Chiapas no son tan importantes como los textos teóricos?

Ayer, al mirar la obra de Nacho López (1923-1986) en la exposición “Antología de Fetiches” (Galería Albertina, Centro Histórico de San Cristóbal de las Casas) recordé una fotografía de Yevqueni Jaldei donde registra el momento en que algunos soldados soviéticos alzan la bandera de su país en el techo del Reichstag en Berlín. El debate sobre la naturaleza artística de la fotografía no es un tema original, porque cuando el fotógrafo y el soldado del Ejército Rojo manipulan la realidad utilizando la fotografía para producir experiencias estéticas colocan en jaque la función documental de la fotografía. La fotografía de los soldados del Ejercito Rojo en Berlín, no obstante, fue retocada pues durante el acontecimiento real uno de los soldados traía varios relojes en el brazo izquierdo obtenidos en el robo de la capital alemana. Esta imagen era una imagen incómoda pues el soldado puede ser visto como héroe y ladrón al mismo tiempo.

Una buena fotografía, genuinamente crítica, nos recuerda que ayer, igual que hoy, la fotografía (imagen) es un terreno de disputa constante donde, de forma contradictoria, se enfrentan diversos futuros posibles. El conjunto de fotografías de Nacho López demuestran que el futuro es el vencedor porque la obra se actualiza y se decide desde diversas realidades manipuladas.

Para entender algo sobre México e impregnarse del caos que vive este país es conveniente visitar la exposición de Nacho López abierta esta semana en la Galería Albertina, espacio donde las fachadas coloniales de San Cristóbal de las Casas se mezclan con lo moderno. Lo que Nacho crea no es una imagen real, sino algo invisible, un concepto. Nacho crea territorios para generar duda en el espectador sobre lo que ve hoy, donde la ciudad de San Cristóbal de las Casas es un espejo distorsionado. La fotografía contemporánea se ha despojado de la realidad para crear algo indescifrable. El arte conceptual se ha vuelto una marca de prestigio con el objetivo de que algún especulador financiero multiplique el precio del objeto artístico.

La exposición “Antología de Fetiches” resalta a la fotografía como arte al demostrar que la realidad es una mera apariencia que puede ser variable. La cámara capta la ilusión que el ser humano experimenta. La fotografía es la ruina del pasado. Por ello no es importante discutir la autenticidad de la imagen ya que como lo ha demostrado Roland Barthes el documento es dubio. La imagen es manipulable y desde de Grecia y Mesoamérica fue determinada por códigos ideológicos. Creo que el inicio de este siglo (XXI) es un momento decisivo para el establecimiento de la autonomía estética del lenguaje visual. Aquí en el Estado de Chiapas las personas aún no tienen interés por la fotografía y la grafica. Sin embargo, en Brasil, Estados Unidos y Europa hubo una evolución a este respecto ya que la aceptación de la fotografía por parte del espectador es reciente y los europeos, actualmente, compran fotografía como compran pintura sin cuestionar su valor estético y testimonial. Una de las razones de la aceptación de la fotografías es que la tecnología es un atractivo para el artista, además de que a partir de los juegos de luz y sombra el espectador deduce cierta información. La fotografía es un lenguaje inmediato que le habla directamente al espectador. En las obras fotográficas de Nacho López se percibe la relación entre la imagen retocada con la formación del Estado mexicano, el surgimiento del nacionalismo, el desarrollo social y su representación. Nacho López tuvo conciencia del significado de la imagen, por esto comunicó una visión clara y penetrante del país, de sus contrastes y valores sociales. La mirada del fotógrafo es tierna y atenta. Ante la serie de fotografías de la exposición nos preguntamos: ¿cuál es la influencia del contexto ideológico sobre la interpretación de la fotografía? ¿Cual es la relación entre estética, arte, técnica y política?

En las fotografías de Nacho no hay sólo la mirada de un cronista da la vida urbana de los años 50, percibimos la fascinación del fotógrafo por la arquitectura, la etnografía, el jazz de los años sesenta y la danza contemporánea. Mirar atentamente las fotografías de Nacho López es ver fragmentos de México. El espectador tendrá la impresión de que la realidad de un país es ilimitada y el conocimiento no tiene fin. Los limites y las ideas homogéneas son engañosas y demagógicas. Mirar la realidad a la luz de las fotografías de Nacho nos da contorno y formas nuevas a nuestras vivencias. Hoy, la mirada a través de la pantalla de un celular, nos niega la diversidad y complejidad infinitas de lo real. Ni el poder estético de Nacho López lo libró de la censura y la autocensura. En muchas fotografías de Nacho como en “Sólo los humildes van al infierno” se advierte una critica fuerte a la policía del Distrito Federal. Fotografía e historia son legajos de la memoria. Sin embargo, la fotografía permite la modificación del pasado y empañar los hechos sucedidos. La fotografía, cuando se toma en serio, propicia la mirada aguda del espectador quien entra al juego. Nacho ilustra conceptos pidiendo al público pensar después de mirar - pensar lo mirado-.

Que la fiesta comience

2010-03-07T10:17:00.000-08:00

Mérida vibrará. Ya lo veremos. Durante una semana un huracán de teatro, de puestas en escenas, de charlas, mesas y discusiones se harán efecto como resultado al tesón del equipo del grupo teatral “La rendija” y su directora Raquel Araujo.

Agradezcamos el hecho con nuestra presencia y apoyo. Esto es un momento único e imperdible. Hagámoslo nuestro.

1er Festival de Teatro de la Rendija
(Iberoamérica en Escena)
del 7 al 14 de marzo de 2010 en la ciudad de Mérida Yucatán.

PROGRAMA
Domingo 7 de marzo, 20:00 hrs, Teatro Peón Contreras.
"La Importancia de Llamarse Ernesto"
TEATRO DE LA RENDIJA, MERIDA YUCATAN, MEXICO.

Lunes 8 de marzo, 16:30 hrs, Plaza Principal.
"Pelada Na Rua"
SAU PAULO, BRASIL.

Lunes 8 de marzo, 21:00 hrs. Teatro de la Rendija.
"La Mujer que Quería ser Como los Pájaros"
VILLA DE LEYVA, COLOMBIA.

Martes 9 de marzo, 16:00 hrs. Teatro Tío Vivo.
"Nuestra Señora de las Nubes"
YUCATAN, MEXICO- URUGUAY.
Martes 9 de marzo, 21:00 hrs. Teatro del a Rendija.
"Campanas de Palo"
ENTRE RIOS, ARGENTINA.

Miércoles 10 de marzo, 17:00 hrs, Restaurante Amaro.
"Al Principio Fue Así"
VILLA DE LEYVA, COLOMBIA.

Miércoles 10 de marzo, 21:00 hrs, Teatro de la Rendija.
"Mnemosina, Solo in Progress"
BARCELONA, ESPAÑA.
Jueves 11 de marzo, 21:00 hrs, Auditorio Olimpo.
"Un Único Mundo"
BUENOS AIRES, ARGENTINA.
Viernes 12 de marzo, 17:00 hrs, Parque de las Américas.
"Caminando con los Espíritus de la Selva"
QUINTANAROO, MEXICO.

Viernes 12 de marzo, 21.00 hrs, Teatro de la Rendija.
"Poema Para Tres"
CANCUN QUINTANA ROO, MEXICO.

Sábado, 13 de marzo, 21:00 hrs, Teatro de la Rendija.
"Medea Múltiple"
TEATRO DE LA RENDIJA, MERIDA YUCATAN, MEXICO.

Los eventos en la plaza principal y en el parque de las Américas serán totalmente gratuitos.
El evento en el teatro Peón Contreras tendrá un costo de $100.00 general y $ 80.00 estudiantes y personas de la 3a edad
Los eventos en teatro de la rendija, auditorio Olimpo, teatro tío vivo y restaurante amaro tendrán una cuota de recuperación de $50.00 general y $30.00 Estudiantes, Inapam y Teatristas
SEDES:
TIOVIVO-TEATRO: Calle 9 # 71 entre 18 y 20, Col. México Norte
CASA DEL TEATRO DE LA RENDIJA: Calle 35 # 502 A entre 60 y 62, Centro
RESTAURANTE-FORO CULTURAL AMARO: Calle 59 entre 60 y 62, Centro
OLIMPO: Calle 61 por 62, Centro
PARQUE DE LAS AMÉRICAS: Calle 18 con 23, Colonia García Ginerés
LOS ESPERAMOS!!!

“Autopsia de un copo de nieve”, sin tapujos.

2010-03-06T11:11:00.000-08:00

Conversar sobre el teatro en Yucatán, el teatro yucateco y el teatro que, de vez en cuando, nos visita, es hacer un ejercicio de matemáticas, de cuentas, de simple sumatoria. Una gran parte del año, Yucatán, Mérida en específico, se inunda con presentaciones que nos llevan a la lógica deducción de plantearnos una verdadera escuela de las tablas, como sucede en las artes fotográficas y en la literatura, cuya labor, y no me canso de repetirlo, es excelente y con una vertiente que otros estados del país no poseen, en cuanto a cantidad y calidad de producción.

Hace cuestión de unos meses, Diciembre del 2009, se estrenó en el Teatro Daniel Ayala la obra “Autopsia de un copo de nieve”, de Luis Santillán, dirigida a pulso milimétrico por el director Francisco Solís, quien establece en aquel paraninfo azul y leche, las relaciones masoquistas inconscientes de una madre y sus 2 hijas, tan inocentes como la exquisita enfermedad mental de su mamá.

Autopsia de un copo…es una obra donde el dolor se hace poesía cotidiana y donde un gran baño alberga tres almas que nadan entre la desesperación y la búsqueda de un pedacito de cariño entre ellas. La locura va comiéndose cada personaje liderados por una madre, interpretada magistralmente por Alejandra Argoytía, quien desde su perspectiva solo le interesa conservar una juventud que ve cada día más alejada, perdida entre las preocupaciones y las cremas que nadan en su cara sin efecto alguno. Las tres comparten aquel baño donde los fluidos y desgastes corpóreos salen a flote, se estrellan contra el espectador quien asiste a una sesión de psicoanálisis excelentemente estudiada y puesta en escena.

Catalina, la madre, deambula como un Ulises en su propio mar, en una aparente frialdad emocional ante los requerimientos de sus niñas. Natalikova, su hija mayor, reclama antagónicamente a la madre su abandono y sus crisis. Vive una juventud atrapada en un cuerpo vacío, sin encontrar fundamento en el que establecerse. Su interpretación está a cargo de Berenice Pérez quien, a pesar de decaer en momentos, trasmite el hastío, el cansancio y el terror de que una tragedia puede llegar algún día a la rutina exasperante de estos seres atrapados. Desiree Solís, por su parte, interpreta a una niña, de nombre Nicoleta. Ante el asombro del público y como un ejercicio teatral impresionante, Desiree se mete en la piel de esta niña, con una excelente técnica que desdobla a una mujer en la piel de una niñita abandonada, aparentemente sin darse cuenta de las tensas relaciones que se dibujan en aquel recinto y que aclimatan, en frio de nieve obscura, un clímax aterrorizante.

La estética de la puesta en escena es cumbre con colores básicos, neutros que remiten por momentos a un claustro de psiquiátrico más que a un baño de familia. La luz al igual nos ahoga. La jugada teatral es de jaque mate y nos va dando indicativos de un teatro que encuentra ecos en el cine de Bergman, especialmente en su film “persona”, donde actriz y asistente crean un mundo onírico de textos y miradas. Es ahí donde la obra se luce y donde Solís, su director, queda como un hacedor de maravillas con el texto, que cae sobre nosotros sin piedad como copos de nieve al desnudo.

Imprescindible en su vuelta a los escenarios. Hay que verla.

Gerardo Martínez

“TEATRO DEL SUEÑO”

PRESENTA

“AUTOPSIA A UN COPO DE NIEVE”

DE LUIS SANTILLÁN

(PREMIO NACIONAL DE DRAMATURGIA 2005)

DIRECCIÓN FRANCISCO SOLÍS

REPARTO

NICOLETA: DESIREÉ SOLÍS

CATALINA: ALEJANDRA ARGOYTIA

NATALIKOVA: BERENICE PÉREZ

DISEÑO DE IMAGEN: PEPE MOLINA

DISEÑO DE VESTUARIO: HORTENCIA SÁNCHEZ

MÚSICA ORIGINAL: JUAN LUIS DE PABLO ENRIQUEZ

ESCENOGRAFÍA E ILUMINACIÓN: MANUEL ARAIZA

DIRECCIÓN: FRANCISCO SOLÍS

SINOPSIS

Con una historia en apariencia sencilla, Santillán emprende una “autopsia” a la crueldad familiar con una progresividad sutilísima. El universo de una madre agobiada por la vida y sus dos hijas, es el punto de partida para desgarrarnos.

Autopsia a un copo de nieve teje su estructura a partir de una fragmentación que nos devuelve el catálogo de momentos en los que, de manera siempre parcial, las preferencias afectivas de la madre dejan en el desamparo a la más pequeña de las hijas. La estructura, el modo del relato dramático, es lo que en la obra se vuelve muy poderoso. Y no sólo por la fragmentación sino por el trabajo esmerado del diálogo que es urdido no desde la “literaturidad” tan propia de muchos dramaturgos sino desde las desconexiones, parcialidades, enigmas y subtextos que la realidad pragmática de la lengua hacen de las comunicaciones humanas una cosa muy complicada. El lenguaje es oblicuo, somos poco cooperativos y claros, no tenemos certezas respecto a él o nos habitan estrategias que nos hacen expresarnos ambiguamente. Ese trabajo de investigación sobre la palabra dramática está presente en esta obra.

Autopsia a un copo de nieve ganó en 2005 el Premio Nacional Obra de Teatro de Mexicali y fue escrita durante el Primer Diplomado Nacional de Estudios de la Dramaturgia.

Jaime Chabaud

Los perros. Su jauría en un recinto existencial.

2010-03-06T10:54:00.000-08:00

El teatro de Elena Garro es una espada desenvainada, capaz de cortar cabezas de un solo tajo. Su filo agudo camina con la violencia con la cual sus personajes son tratados, o bien por un destino implacable ó acorde con la desventura de un destino que los dejó a la deriva en una tormenta de pasiones.

Elena Garro, es considerada por algunos críticos como una figura tan cumbre en las letras hispanas como lo fue Sor Juana Inés de la Cruz, amén de ser la precursora del realismo mágico, titulo que le han conferido últimamente algunos investigadores, ya que se adelantó y escribió esta, hoy corriente, antes que el mismo Juan Rulfo. Su cuento de vida es largo y desdichado: un esposo, Octavio Paz, que le sesgó aspiraciones universitarias, una hija enferma, un exilio causado por las malas interpretaciones periodísticas quienes la inculparon en “decires”, nunca establecidos, sobre manejos intelectuales que supuestamente indujeron a los estudiantes a la Matanza de Tlatelolco, año 1968. En fin un rosario de penas que no opacó ni impidió que su cerebro y mano siguieran produciendo las más hermosas obras que hoy nos deleitan y que nos describen, con una prosa bella y caustica, la condición del humano en México y, en específico, de la mujer mexicana, que a la larga es la mujer latinoamericana.

Francisco Solís, director yucateco, se atreve a expresarla en Mérida, Yucatán, donde la condición de la mujer es un punto crítico a la hora de estudios sociales y antropológicos. Solís ya había montado esta obra en otro memento y ahora la trae de nuevo a la palestra. La misma es un estudio y así lo dibuja el director, de las relaciones hombre y mujer en una sociedad machista, caciquesca y obcecada por un macho líder cuyo basamento de vida es demostrar su poder a través del vasallaje de la mujer. El romper virgos, el derecho a pernada. Una madre cuyo destino estuvo escrito y que ve con el pasar de los días o más bien de las noches que el de su hija lleva la misma cruz, la misma marca de ganado en una hacienda. Los mejores granos de elote son para el patrón y esa cadena no debe romperse.

Hortensia Sánchez, en el papel de Manuela, madre que lleva marca a cuestas y Graciela Ruiz, en el papel de Úrsula, su hija, la ofrenda a “los dioses”, establecen un drama pasional sobre el miedo y tejen un enjambre de oraciones taciturnas, revolcadas en el horror, en la enajenación y en el terror de las sombras que vienen a buscarlas. Solís, sin cortapisas, nos adentra al teatro filosófico y también al político, puesto que entre Madre é hija se da un juego hacia las relaciones de mando y obedezco, así como también de seguir las reglas y las leyes establecidas, por la fuerza, por la naturaleza y por el mandato de los hombres, quienes esta vez se nos convierten en perros, en fieras al acecho de una victima nueva. Un relato que se torna a momentos góticos, como una historia de vampiros en espera de víctimas.

La iluminación, la puesta en escena en un rincón de la ciudad, al aire libre, con fogones humeantes, elotes que se asan, tamales y café que se calientan nos devuelven el teatro existencial y también el naturista y nos brinda, como la cálida iluminación, un retazo, un pedazo de historia diaria que debería ser revertida. Nacen ellas para seguir la siembra, nacen ellas para llevar en la espalda la marca dolorosa de una bota impuesta.

Teatro que debe verse, exponerse y no perderse.

Gerardo Martínez

“TEATRO DEL SUEÑO” PRESENTA “LOS PERROS” DE ELENA GARRO
DIRECCIÓN FRANCISCO SOLÍS “
Elena Garro es la Juan Rulfo femenina. Su obra, además de mostrar un conocimiento enorme sobre la vida en el campo y los campesinos, despliega una prosa poética original de gran belleza”. Elena Poniatowska

LOS PERROS, de la dramaturga mexicana Elena Garro, aborda el tema de la violencia a la mujer en México. Relata la historia de Manuela y su pequeña hija Úrsula, quienes se preparan para la fiesta del patrono del pueblo sin saber lo que en las sombras les espera. Manuela y Úrsula no son las primeras, ni las últimas y únicas, a las que le ocurren estas cosas, sino que este esquema se va a seguir reproduciendo mientras no haya un cambio de actitud entre la gente. Elena Garro (1917-1998), única, inquietante, perturbadora, rompió con el teatro costumbrista y creó un teatro moderno, inauguró un estilo, el del realismo mágico en el teatro, con unas atmósferas que ningún otro dramaturgo ha logrado.

REPARTO MANUELA HORTENCIA SÁNCHEZ
ÚRSULA GRACIELA RUIZ
JAVIER GABRIEL OROZCO (TIN) TEJÓN

WILSON RODRIGUEZ DISEÑO DE VESTUARIO
HORTENCIA SÁNCHEZ
ESCENOGRAFÍA E ILUMINACIÓN EDUARDO SANTANDER
DIRECCIÓN: FRANCISCO SOLÍS

“T E A T R O D E L S U E Ñ O”
La compañía “TEATRO DEL SUEÑO”, se fundó en 1992 y a partir de entonces ha realizado su labor escénica en la ciudad de Mérida, Yucatán, el interior del estado y algunas ciudades de la Península. Desde sus inicios, “TEATRO DEL SUEÑO” se planteó como parte fundamental de su trabajo teatral, algo que al interno del grupo hemos denominado "compromiso”. Congruentes con este concepto (motor y magia que nos mueve) siempre nos hemos preocupado y nos hemos dado a la tarea de explorar con todos los recursos expresivos propios o no de la teatralidad, con el fin de poder ofrecer al público espectáculos llenos de imagen, poesía, verosimilitud y organicidad. “TEATRO DEL SUEÑO” fundamenta su poética teatral en la investigación de la forma, la importancia del tema y la afectación de los sentidos. Por su trabajo artístico “TEATRO DEL SUEÑO” ha recibido por parte del Gobierno del Estado, el Consejo Nacional para la Cultura y las Artes y el Instituto de Cultura de Yucatán, diversas becas para sus creadores, estímulos y apoyos para producción de espectáculos en varias ocasiones.

El fenomenal mundo de Tod Browning. Programa

2010-02-19T14:34:00.001-08:00

Del 18 de febrero al 23 de abril de 2010

18 y 19 de febrero

“Garras humanas” (The unknown)

(USA, 1927)

Dirección: Tod Browning.

Intérpretes: Lon Chaney, Joan Crawford y Norman Kerry.

Sinopsis: Alonzo (Lon Chaney), se exhibe en un circo ambulante como el increíble hombre sin brazos. Está locamente enamorado de Nanon (Joan Crawford), la hija del director. Sin embargo Alonzo, no es la persona que dice ser y oculta intenciones siniestras.

Duración: 65 min.

Antes de cada función se exhibirá un documental sobre el proyecto de cortos animados “Suertes, humores y pequeñas historias de la Independencia y la Revolución”.

25 y 27 de febrero

“Los pantanos de Zanzíbar” (The west of Zanzibar)

(USA, 1928)

Dirección: Tod Browning.

Intérpretes: Lon Chaney, Lionel Barrymore y Mary Nolan.

Sinopsis: En el corazón de África, Phroso (Lon Chaney), un ex mago, vive atado a una silla de ruedas y con la única intención de vengarse del Sr. Crane (Lionel Barrymore), el hombre que arruinó su vida, responsable de su parálisis y también presunto padre sanguíneo de su hija Maizie (Mary Nolan).

Duración: 65 min.

Antes de cada función se exhibirá el cortometraje “Jets' lu'um (calmando la tierra)” de Edwin Díaz May. Ganador del Premio del Jurado (Documental) en el VI Concurso de Cortometraje “Yucatán 2009”.

4 y 5 de marzo

“El cazador de tigres” (Where east is east)

(USA, 1929)

Dirección: Tod Browning.

Intérpretes: Lon Chaney, Lupe Vélez y Estelle Taylor.

Sinopsis: Tiger Haynes (Lon Chaney), un cazador de animales salvajes, vive con su hermosa hija Toyo (Lupe Vélez), que se enamora de Bobby. Tiger ofrece al muchacho un trabajo donde conocerá a Madame de Sylva (Estelle Taylor), la ex mujer de Tiger y madre de Toyo. Cuando la malvada y seductora De Sylva se entera de los planes de boda de ambos jóvenes, se desatan funestas pasiones.

Duración: 64 min.

Antes de cada función se exhibirá el cortometraje “El rico Seferino” de Adelina Castillo Pineda. Mención Honorífica en el VI Concurso de Cortometraje “Yucatán 2009”.

11 y 12 de marzo

“Maldad encubierta” (The Black Bird)

(USA, 1926)

Dirección: Tod Browning.

Intérpretes: Lon Chaney, Owen Moore y Renée Adorée.

Sinopsis: The Bishop (Lon Chaney), un hombre discapacitado que pasa como persona generosa y bienhechor oculta una doble personalidad: The Black Bird, un criminal separado de su mujer y enamorado de una artista que actúa en un café cantante. Una situación inesperada pondrá en riesgo todos sus siniestros planes.

Duración: 86 min.

Antes de cada función se exhibirá el cortometraje “Las vías de la memoria” de María Elena Quej Corro. Ganador del Premio del Público (Documental) en el VI Concurso de Cortometraje “Yucatán 2009”.

18 y 19 de marzo

“Muñecos infernales” (The devil doll)

(USA, 1936)

Dirección: Tod Browning.

Guión: Erich von Stroheim.

Intérpretes: Lionel Barrymore, Maureen O'Sullivan, Frank Lawton.

Sinopsis: Paul Lavond (Lionel Barrymore), un preso condenado injustamente, escapa del penal Isla del Diablo. Disfrazado de anciana y con una extraña pócima que tiene el poder de reducir a los seres humanos, se esconde en un laboratorio donde planeará su venganza contra aquellos que le enviaron a prisión.

Duración: 78 min.

Antes de cada función se exhibirá el cortometraje “Alicia” de Evelyn Rossana Flores Cortés. Mención Honorífica en el VI Concurso de Cortometraje “Yucatán 2009”.

25 y 26 de marzo

“Drácula”

(USA, 1931)

Dirección: Tod Browning.

Dirección de fotografía: Karl Freund.

Intérpretes: Bela Lugosi, Helen Chandler y David Manners.

Sinopsis: Tod Browning lanzó a Drácula al consumo del gran público norteamericano e inmortalizó a Bela Lugosi en el papel del Conde. Nos muestra un Drácula refinado y elegante. Lugosi tomó para sí un gran mérito renunciando al maquillaje, como seguramente hubiera hecho Lon Chaney, el actor que iba a interpretar el papel originalmente, pero que no logró a causa de su fallecimiento por cáncer.

Duración: 75 min.

Antes de cada función se exhibirá el cortometraje “Onírico” de Santiago Vázquez Zaldivar. Ganador del Premio del Jurado y Público (Videoarte) en el VI Concurso de Cortometraje “Yucatán 2009”.

8 y 9 de abril

“El trío fantástico” (The unholy three)

(USA, 1925)

Dirección: Tod Browning.

Intérpretes: Lon Chaney, Harry Earles y Víctor McLaglen.

Sinopsis: Tres actores dejan de lado sus vidas circenses para convertirse en El trío fantástico. Echo (Lon Chaney) asume el papel de una abuela que trabaja en una tienda de mascotas; Tweedledee (Harry Earles), ayudado por su estatura, finge ser su bebé, y Hércules (Víctor McLaglen) pasa a ser el ayudante de la abuela. Una vez asumidas sus nuevas identidades, la ciudad se verá rodeada de una oleada delictiva.

Duración: 86 min.

Antes de cada función se exhibirá un documental sobre el proyecto de cortos animados “Suertes, humores y pequeñas historias de la Independencia y la Revolución”.

15 y 16 de abril

“El palacio de las maravillas” (The show)

(USA, 1927)

Dirección: Tod Browning.

Intérpretes: John Gilbert, Lionel Barrymore y Renée Adorée.

Sinopsis: Robin (John Gilbert) es un gigoló acostumbrado a estafar mujeres, trabaja en un circo ambulante compartiendo escena con la caprichosa Salome (Renée Adorée). Salome está enamorada de Robin, pero “El Griego” (Lionel Barrymore), amante de Salome, no está dispuesto dejarles el camino libre. Un asesinato y una fuerte suma de dinero complicarán aún más esta historia de personajes dispuestos a todo por satisfacer sus ambiciones.

Duración: 77 min.

Antes de cada función se exhibirá el cortometraje “Anacleta” de David Islas Parrao. Ganador del Premio del Jurado en el VI Concurso de Cortometraje “Yucatán 2009”.

22 y 23 de abril

“Fenómenos” (Freaks)

(USA, 1932)

Dirección: Tod Browning.

Intérpretes: Olga Baclanova, Harry Earles y Daisy Earles.

Sinopsis: En un circo, la perversa Cleopatra (Olga Baclanova) se interpone entre el amor de dos enanos: Hans (Harry Earles) y Frieda (Daisy Earles). En realidad Cleopatra solo se burla de Hans y se aprovecha de él para obtener dinero y regalos.

Duración: 64 min.

Antes de cada función se exhibirá el cortometraje “¿Y mi salchicha?” de Edgardo Arredondo Vargas. Ganador del Premio del Jurado y Público en el VI Concurso de Cortometraje “Yucatán 2009”.

CENTRO DE ARTES VISUALES

(CALLE 60 ENTRE 47 Y 45, FRENTE A LA IGLESIA DE SANTA ANA)

19:00 HRS. ENTRADA LIBRE

El fenomenal mundo de Tod Browning

2010-02-19T14:29:00.001-08:00

A Tod Browning se le conoce como el director estadounidense más importante en el género del horror durante los años 30. Los filmes más famosos de este cineasta son “Drácula” (1931) y “Fenómenos” (1932). El primero tiene el mérito de introducir al Conde vampiro a la era sonora, además de rediseñar al personaje, gracias a la espléndida interpretación del actor Bela Lugosi. Esta singular versión del protagonista de Bram Stocker es la que mejor identificamos en la actualidad: un Drácula elegante, sobrio y enigmático; un Casanova que parece seducir a sus víctimas antes de saltarles al cuello. Algo muy distante a la primera versión de Friedrich Murnau.

“Fenómenos” se ha vuelto un filme de culto que sigue seduciendo e impactando a generaciones. Algunos historiadores la clasifican como unas de las películas más censuradas en la historia del cine. La gran osadía de Browning fue realizar esta hipnótica pieza utilizando “fenómenos” reales que reclutó de diferentes circos. Esa autenticidad sigue inquietando a los espectadores que se enfrentan a sus imágenes. En su estreno, “Fenómenos” suscitó una agitada discusión en torno a su elenco; sus detractores se sentían ofendidos de ver gente con malformaciones reales y argumentaban un atropello a los derechos de los exhibidos. El problema llevó a un recorte brutal, que redujo el material a 64 minutos, además se le obligó a incluir un prólogo de justificación y una escena final que amortiguara su impactante clímax. El filme destaca por su interesante mezcla de géneros, que sabe transformar en sus últimos minutos el melodrama en horror.

Su vida como estrella circense se refleja en sus películas y es común que el circo sea el escenario de sus historias. Usualmente sus personajes tienen algún defecto físico, en “Garras humanas” Alonzo no tiene brazos, en “Los pantanos de Zanzíbar” Phroso tiene las piernas muertas y no olvidemos a la galería de fenómenos de circo en "Freaks". La fijación de Browning con la discapacidad se asocia a su aflicción por una pierna lisiada producto de un accidente automovilístico.

Quizá su mayor obsesión es la venganza, que aparece como único recurso para resarcir el honor en un mundo ausente de justicia. El crimen se vuelve expiatorio y, generalmente, es la culminación de un plan elaborado. Gustaba de actores de fuerte presencia y encontró su mayor alter ego en Lon Chaney y, a la muerte de este, en Lionel Barrymore y Bela Lugosi.

Le interesa explorar las capacidades humanas para ocultar los sentimientos, asociado siempre con intenciones perversas (Cleopatra en “Fenómenos”). La falsedad a veces conlleva al uso de disfraces (“El trío fantástico”, “Muñecos infernales”), o al disimulo de un aspecto físico (“Garras humanas” y “Maldad encubierta”). En su cine, las heroínas son catalizadoras de traiciones y muertes, mientras las villanas son representadas como perversas y manipuladoras vampiresas (“El cazador de tigres” y “Fenómenos”). Además del crimen, la malignidad, la simulación y la venganza, también le interesó el tema del vampirismo. Abordándolo por vez primera en “Londres después de la medianoche” y consagrándolo en “Drácula”.

Nuestra intención al realizar este ciclo de películas es dar a conocer los títulos más destacados en la filmografía de Browning y que los cinéfilos puedan analizar con mayor profundidad su interesante obra. “Drácula” y “Fenómenos” son solo una breve parte del trabajo de un cineasta especialista de lo macabro. Su cine, poblado de personajes desadaptados, envueltos en malignidad y malformaciones físicas, presenta una cosmovisión muy peculiar, y que se vuelve aún más extraña ubicándola en la cinematografía estadounidense de los años 20’s y 30’s.

AARÓN ROSETTE

COORDINADOR DE CICLOS DE CINE

Del Buen Cine, al aire “libre”

2010-02-19T13:57:00.000-08:00

Mérida posee innumerables detalles de vida y de expansión, así como de expresión y, muy a pesar de las pesadumbres burocráticas, politiqueras o de la anarquía burguesa de un Norte citadino ensimismado, la ciudad camina y evoluciona en las artes, en las letras y en la promoción de la cultura. Señales de ello lo dan la serie de eventos que el buen cine de arte y ensayo, así como el documental tienen entre las cuatro esquinas del orbe meridano.

La 68, con su cine documental los Jueves, Viernes y Sábado. El cinito, quien sin apoyo de nadie y a través del “Incitador Cultural” Miguel Elenis ha logrado un espacio y una región nítida dentro de la geografía urbana mostrándonos en buen cine que no llega a las grandes salas palomeras de las plazas comerciales. El cine que no quieren que veamos y que sin embargo por las insistentes manos y mentes de intelectuales se nos muestra, además gratuitamente.

En este punto es necesario hablar de la Dirección de artes visuales de la dirección de Cultura de la Gobernación del estado de Yucatán, quien a través de Manuel May Tilan y Aarón Rossete, nos traen cada Jueves y viernes las más extraordinarias películas que usted, amigo lector, pueda imaginar. Si, lo leyó, la sabia curaduría del joven Rossete nos trae ciclos excelentes, con nitidez de DVD, proyectados con un exquisito sonido y todo ello pagados solo con nuestra asistencia.

La sala techada de Centro de Artes Visuales nos acoge con un frescor de aire libre y allí nos retozarán imágenes del cine clásico como del mudo. Emocionante, verdad. Ayer tuve la oportunidad de asistir y ver a un Tod Browning que no conocía con su film “Garras Humanas”, con una bella y joven Joan Crawford y un Lon Chaney, que demuestra el monstro, el mito que fue y que sigue siendo.

Cine que debe verse y que debe y amerita atenderse como un regalo visual y de aprendizaje que no todos los días se tiene. Gracias a Aarón y al ICY por esta oportunidad invaluable.

Asistan y cultiven esta excelente oportunidad, es para ustedes.

Gerardo Martínez.

Cuidado: explosivos en escena

2010-01-19T11:26:00.000-08:00

Tu ternura molotov

La obra es una dispersión de ácido sobre el espectador. La forma original de llamar a la ironía sardónica, “naturalidad”, se hace verbo activo en la palestra del cuadrilátero teatral. “tu ternura Molotov” del dramaturgo Venezolano Gustavo Ott, ha sido estrenada en Mérida (14/ene/10), Yucatán con un sólido pie y con una ovación de fundamento. Su director Juan De Dios Rath y sus actores han otorgado un salto cualitativo a la teatralidad yucatense y, porque no decirlo, a la mexicana, quien a través de este montaje ve con ojos propios, nada extraños, una relación de pareja, marido y mujer, que van destrozando los hechos cotidianos a través del discurso político. Hilvanando cada detalle y acción con la historicidad de un objeto del pasado que llega para sorprender la historia y que nos desarrolla un lenguaje sarcástico sobre las relaciones humanas y la familia.
Victoria, interpretada por Ariadna Medina y Daniel, encarnado por Sebastián Lliera, recrean a una pareja matrimonial de clase media, acomodados en las poltronas sociales de unos excelentes trabajos, rodeados de buenas amistades y de un aparente entorno simplista lleno de fiestas, brindis y reuniones. Una noche Victoria se prepara, a la manera y usanza medio oriental, a calentar su vientre para procrear varón. El público ya asiste a un misterio y nos preguntamos como ella aprendió la técnica usada en los países de la península arábiga. De pronto un timbre y un paquete, entregado a altas horas de la noche por un agente de “Federal Express”. El paquete lleva un membrete del FBI y allí comienza la trama a revelar un frágil pasado con consecuencias de tragicomedia.
La excelente y negra “comedia” con tintes cáusticos está producida en escena de una manera precisa por su director Rath, quien encuentra poner el desafío político que la obra requiere en primer plano. Lo social vislumbra sin miedo y, entre una metralleta oral, los personajes van desgarrándose sobre sus complejos sociales y sus aversiones xenófobas. Salen, sin miedo y tapujos, a relucir nuestras debilidades y turbaciones ante la marginalidad, la injusticia, el color de la piel y un sinfín de detalles que bordan el maravilloso encaje de nuestros miedos lingüísticos y sociales.

El día del estreno, un público lleno se enfrentó a esa minoría que deja con extrema mala educación su celular encendido y peor aún lo contesta o a las señoronas que solo bajan al centro histórico a ver teatro y que con miedo asistían a ver espejos sociales. Algunas ofuscadas se retiraron con sus respectivos esposos. Aún así el emocionado público acogía con aplausos a los desventurados cónyuges, quienes a medida que sacan elementos de la misteriosa caja se afrontan una y otra vez a un cercano pasado desgarrador y oscuro.

Ariadna se mete en la dermis de Victoria y, a pesar del nerviosismo inicial de la primera función, logra dominar aquella fiera que salta sobre los espectadores como una leona a punto de devorarlos. Su dicción y tono de voz es sorprendente, así como la “camalionalidad” de su estatura actoral. Sin duda una joya de actriz del teatro yucateco. Sebastián por su lado es una máquina teatral, sin miedos, ni cortapisas que engendra un hombre con miedos, con pasados, con huellas pérdidas y que se va llenando de histeria a medida que descubre que su vida en todo sentido ha sido un engaño. Un actor, en toda la extensión de la palabra.
La obra se seguirá presentando en Yucatán y probablemente en el resto del país. Por su dirección, actuación, acción y dirección, le auguramos un éxito indescriptible.

Ficha técnica:
TU TERNURA MOLOTOV
MURMURANTE TEATRO PRODUCCIONES
AUTOR: GUSTAVO OTT
DIRECCION: JUAN DE DIOS RATH
PRODUCCION: ARIADNA MEDINA

CON LAS ACTUACIONES DE:
ARIADNA MEDINA Y SEBASTIÁN LIERA
Escenografía e iluminación - Oscar Urrutia
Diseño sonoro - Manuel Estrella
Fotografía y diseño gráfico - Pepe Molina
Diseño de imagen - Ilka Monforte
Realización y asesoría de vestuario - Manuel Ek
Montaje y jefe de foro - Oscar López
Asistente de dirección y producción - Katenka Ángeles

Gerardo Martínez